Жить – Журнал «Сеанс»

Это не мелочная придирка, а претензия по существу. Наши молодые кинематографисты увлеклись репродуцированием чужих названий, прочно вписанных в классическую историю кино. Трудно сказать, что это: неосведомленность, вызов или высокомерие. Только что появилась «Долгая счастливая жизнь» — странный привет Геннадию Шпаликову. А до этого — сразу два фильма под названием «Жить»: один снят Юрием Быковым, другой Василием Сигаревым. Оба сделаны в жанре притчи, на что намекает и само название, довольно беззастенчиво экспроприированное у Акиры Куросавы. Но, в конце концов, «жить» никому не запретишь.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Судя по всему, Сигарев и компания не комплексовали по поводу высокой классической планки, а просто увлеченно и с полной отдачей делали кино, название которого пришло потом. Василий Сигарев и Яна Троянова (не только сыгравшая одну из основных ролей, но, по сути, выступившая соавтором картины) — люди театральные, так что для них найти кинематографический ключ было принципиально. Требовался оператор с абсолютной органикой, способный обжить и освоить условное пространство — неважно, в интерьере или на натуре.

И он нашелся. Камера Алишера Хамидходжаева пла­вает в текучем, прозрачном и немного призрачном зимнем воздухе провинциального городка. Из утреннего тумана прорисовываются контуры персонажей: их всего около десятка, а происходящее с ними укладывается в три разные, но внутренне связанные истории, напоминающие по стилю некрофильские страшилки, которые каждый слышал когда-то в детстве.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Мать-алкоголичка (мощная роль Ольги Лапшиной), вступившая на путь исправления, с нетерпением ждет близняшек-дочерей, которых уже отправили к ней маршруткой из детдома. Ждет, да не дождется. Молодая проблемная пара (Яна Троянова и Алексей Филимонов) едет в электричке из церкви после венчания: кажется, что даже ВИЧ-инфекция, которой страдает бывший наркоман, теперь не так страшна. Но это только кажется. Мальчик, к негодованию матери и отчима, норовит сбежать из дома, чтобы встретиться с непутевым отцом, фанатом игровых автоматов (Евгений Сытый). Все эти мечты если и осуществятся, то не здесь, а в царстве мертвых, куда во второй половине фильма мы переносимся вместе с его героями, оказавшимися по ту сторону черты. «Сначала черта горизонта резка — прямая черта между жизнью и смертью. А дальше — так низко плывут облака, и в этом, быть может, судьбы милосердье» (Мария Петровых).

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Черту между жизнью и смертью Василий Сигарев неплохо изучил еще в «Волчке», своем кинодебюте. Уже там юная героиня, отвергнутая непутевой матерью, искала спасения на кладбищах, в объятиях призраков и страшных сказок. Теперь драматург и режиссер продолжает исследование пограничной зоны на более широком тематическом поле. Призраки и мертвяки — это не самое страшное; с ними успешно конкурируют озверелые гопники, отмороженные менты, врачи-убийцы (с ВИЧ-инфицированным в больнице медперсонал не хочет возиться) — архетипические персонажи реальности, служащие проводниками в загробный мир. Они присутствуют здесь в своем лучшем виде, со всеми прелестями. Но, как и «Волчок», «Жить» — не социальное кино и не чернуха, поскольку фильм высветлен светом внутреннего сопротивления. Те, кто называет его невыносимым, по-своему правы; ну, пусть тогда воспринимают просмотр как экстремальный спорт.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Впрочем, идя по лезвию бритвы, авторы все-таки щадят зрительские чувства: они избегают крайностей некрореализма, погружая нас вместо этого в мифологический некросимволизм. Утопленник разъезжает на велосипеде, а погребенные дети и растерзанный убийцами жених оживают на руках своих близких. Здесь на грани фола было все: чуть пережмешь в музыке, в диалоге или пластическом гриме — потеряешь доверие. Но Сигарев выруливает по своему опасному маршруту к редкому в наши дни результату — современной экзистенциальной трагедии, когда даже прямые подсказки типа гаснущей во время венчания свечи мы воспринимаем как перст рока. При этом режиссер ухитряется внедрить в ткань гиньоля своеобразный сигаревский юмор, вовсе даже не черный: это трудно объяснить, но это можно почувствовать.

Камера продолжает отстраненно, на дальних планах, фиксировать объективность кошмара. И постепенно сквозь него прорастает очень русский сюжет о вере в чудо вопреки всему. Но это не слепая вера, и чудо здесь не вполне божественного толка. Героиня Яны Трояновой бежит за священником с вопросом: зачем любить, если смерть хватает за горло? Ответа в словах нет, он будет дан другим способом, в другое время и в другом месте, когда рассеются морок и туман. И тогда без лишних заклинаний, без молитв станет нутром понятно, зачем жить в этом, казалось, навсегда и бесповоротно убитом пространстве. А если формулировать словами и произнести вслух, вывод окажется пугающе банальным, так что лучше не будем.

Вот это «жить» — это не ответ на вопрос «что делать?» и вообще не глагол. Это существительное, вроде «нежити».

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Нежить, по Далю, — «все, что не живет человеком, что живет без души и без плоти, но в виде человека». Жить, по Сигареву, это — ну, всякая жить. Пересказ фильма неизбежно пробуксовывает в духе хармсовских «Случаев»: одна женщина, Капустина, почти уже лишенная родительских прав за алкоголизм, вылечилась, купила двух кукол и стала ждать двух своих девочек из детдома. Не дождалась, конечно. Один ВИЧ-инфицированный парень, Антон, только что обвенчавшись с любимой женщиной, Гришкой, в электричке столкнулся с гопниками, и они забили его — до смерти, конечно. А другой мужик, от которого ушла жена, потому что он все деньги просаживал на игровых автоматах, булькнул в реку. Оставил на берегу велосипед и ботинки. А сын его Артем теперь кричит во сне, узнав, что папа — умер, конечно. Хорошие люди не умеют поставить себя на твердую ногу.

У Сигарева при идеальном слухе и идеальном нюхе на бытовые ужасы не вполне развито воображение. Мир в двух его фильмах состоит из бытового садизма, который поэтизируется при помощи настойчивой визуализации метафор и символов. В «Волчке» Сигарев экранизировал фразеологизмы «кровь с молоком», «ежу понятно», «как волка ни корми». В «Жить» взялся за поминальные плачи и причитания.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

«Жить» — фильм-траур, нулевой километр боли. Нулевой — потому, что боль накроет чуть позже, через несколько секунд, и каждый пойдет отсюда в свою сторону: кто-то убьет себя, кто-то будет жить дальше, кто-то отправится к психологу, лечиться.

Три составные части траурного беспамятства аккуратно разложены на холодном столе анатомического театра. Фильм красиво сконструирован, но безупречно мертв. Главная сила (и слабость) Сигарева в «Жить» — что он не дает вглядеться в эту конструкцию. Он оглушает и ослепляет зрителя, повышает градус садизма и как умеет делает происходящее на экране все более невыносимым (то есть показывает беспомощность жертв и отлично сделанные муляжи детских тел). Тема смерти — слишком сильная, слишком слепящая, и зритель, глядя на экран, немедленно начинает смотреть внутреннее кино о собственных мертвецах. Из-за этой почти универсальной реакции «Жить», вероятно, и считается одним из «фильмов года», получает премии, попадает во всевозможные списки лучших и вообще учит жить.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Или все-таки нежить. Ларс фон Триер или Михаэль Ханеке тоже вступали в садистские отношения со зрителем, тоже когда-то ставили опыты по выбиванию эмоций. Холодная ехидна Ханеке объявляет своего зрителя свободным, тот может уйти в любую минуту; зритель Триера восторженно подчиняется насилию, потому что сам этого хочет. Сигарев выбивает эмоции грубо, то и дело промахивается, но не дает зрителю путей к отступлению. Больше всего он похож на того гопника, который в «Жить» держит дверь между вагонами, пока Гришка, героиня Трояновой, режет себе руки о стекло, пытаясь достучаться, докричаться, остановить безмозглую смерть. Гришка и есть зритель Сигарева: кричи, ломись в дверь, повлиять на расклад невозможно, парня забьют до смерти.

Троянова — актриса животной убедительности, и из-за нее все остальные экранные зомби выглядят еще менее живыми. Это претензия не к актерам: хорошие актеры, просто играют не людей. Даже те, кто в «Жить» не умирает, все равно — не люди. Существа без души, потому что душа их только что ушла вместе с умершими.

Во вселенной Сигарева мучительно не хватает чуда — при всех чудесах, которые вроде бы происходят на экране. Но режиссер в эти чудеса не верит и сам же немедленно их и разоблачает. Он четко разграничивает: вот здесь у нас — плод воображения, а здесь — реальность, «то, что было на самом деле». Нет места чуду: режиссер очень подробно объясняет зрителю, что никаких мертвых не было, это все придумали сами герои. Так что фильмы Сигарева — уж точно не магический реализм. В этом danse macabre с волчками вообще нет никакой магии.

Жить. Реж. Василий Сигарев, 2012

Зрителю режиссер не доверяет, никогда не доверял, поэтому объясняет все по два, по три раза. Вот Антон приходит к Гришке, синий, на живую нитку заштопанный, мертвый. Вот на следующий день он уже чист и светел, никаких следов насилия. Сразу понятно, что все это — химера, мечта о том, что не случится и не случилось, мучительное желание. Но вдруг не всем понятно? Гришка говорит: «Мне надо денег в банке взять на похороны и маме твоей позвонить». Но вдруг опять не всем понятно? Она выходит из квартиры — и режиссер показывает пустую кровать там, где только что лежал Антон. Не хватает титра «Он умер, но ей казалось, что он все еще жив».

А символы режиссер не просто показывает, а еще заставляет героев их обсуждать, чтобы вбить в тупую зрительскую башку: вот это — не к добру. И это не к добру. А вот это совсем не к добру. Свечка перед алтарем погасла — зритель готовится к худшему. Собака завыла — зритель готовится к худшему. Река течет — зритель думает о вечном. (Сигарев специально искал городок с ГРЭС, чтобы показать «символ вечной жизни»; лучше бы он в этом не признавался.)

Ужасно обидно, что режиссер ищет метафизику в простом сложении символов, что он не доверяет зрителю, что верит в чужие системы символов, а не разрабатывает собственную. Наконец, что он не может вовремя остановиться, не может, оглушив зрителя и убедившись, что тот потерял сознание, оттащить его в кусты и дать оклематься: пусть подумает о жизни и смерти. Нет, все продолжает и продолжает махать дубиной.

Читайте также

Жить / Ikiru (1952, фильм) — «Что мы оставим миру после себя? »

Прочитав описание к фильму «Жить» Акиры Куросавы, я сразу же решила посмотреть его. Ожидала очередной слезливой драмы, как в современных фильмах, где все только и делают, что давят на жалость.

Этот фильм не такой.

Он о жизни, он очень настоящий. Главный герой самый обычный офисный работник, который не желает высовываться или проявлять инициативу, ему в общем-то безразличны вещи, происходящие вокруг, он лишь хочет спокойно жить свою жизнь. Но в один день выясняется, что он болен и жить осталось не долго.

Тут он впадает в отчаяние, испытывает безысходность и душевный кризис. В таком состоянии он кидается из крайности в крайность, пытаясь за оставшиеся полгода прожить те эмоции, которые не успел прожить за всю свою жизнь. Он потерян, и близкие люди, которые знают его совсем иным человеком, проявляют безразличие и возмущение к произошедшим в нём переменам.

В итоге, многое обдумав, главный герой решает довести до конца одно очень важное дело, он делает всё возможное, чтобы построить детскую площадку на пустыре. Фильм начинается с того, что он сам же игнорирует просьбу жителей построить площадку, потому что не хочет возиться с этим делом. Эта перемена отражает и переосмысление главным героем многих ценностей, он начинает ценить то, что раньше казалось ему мелочью.

Конец фильма особенно тронул меня и чем-то напомнил многие русские повести и рассказы. И действительно, Акира Куросава, вдохновлялся повестью «Смерть Ивана Ильича» Льва Толстого при написании сюжета.

Конечно, чёрно-белое кино для многих выглядит скучным, но я считаю, что это классика, которую следует посмотреть. Сюжет этого фильма интересный и с глубоким смыслом, он затрагивает многие вопросы, и после просмотра есть над чем подумать. Фильм, которому больше, чем полвека, он уже успел стать культовым и войти в историю. Но самое главное, что он учит нас многому. Например, человечности и доброте. Искренности. И тому, что надо ценить жизнь и не быть эгоистами.

100 лучших фильмов не на английском языке по версии Би-би-си

31 октября 2018

Автор фото, Getty Images

Подпись к фото,

Марчелло Мастрояни и Анита Экберг в знаменитой сцене в фонтане Треви в «Сладкой жизни» Федерико Феллини

Кинокритики из 43 стран мира выбрали по заказу Би-би-си 100 лучших неанглоязычных фильмов, вошедших в сокровищницу мирового кино.

Почему именно неанглоязычных? Не секрет, что, когда речь заходит об англоязычном кино, пальма первенства часто уходит Голливуду, хотя бы по той простой причине, что там производится большая его часть. Именно поэтому в этом году Би-би-си решила обратить внимание на иноязычное кино.

Результат: 100 кинокартин от 67 режиссеров из 24 стран на 19 языках.

• «Семь самураев», Япония (Акира Куросава, 1954)
• «Похитители велосипедов», Италия (Витторио Де Сика, 1948)
• «Токийская повесть», Япония (Ясудзиро Одзу, 1953)
• «Расёмон», Япония (Акира Куросава, 1950)
• «Правила игры», Франция (Жан Ренуар, 1939)
• «Персона», Швеция (Ингмар Бергман, 1966)
• «8 1/2», Италия (Федерико Фелллини, 1963)
• «400 ударов», Франция (Франсуа Трюффо)
• «Любовное настроение», Гонконг (Вонг Карвай, 2000)
• «Сладкая жизнь», Италия (Федерико Феллини, 1960)
• «На последнем дыхании», Франция (Жан-Люк Годар, 1960)
• «Прощай, моя наложница», КНР (Чэнь Кайгэ, 1993)
• «М», Германия (Фриц Ланг, 1931)
• «Жанна Дильман, набережная Коммерции 23, Брюссель 1080», Бельгия (Шанталь Акерман, 1975)
• «Песнь дороги», Индия (Сатьяджит Рай, 1955)
• «Метрополис», Германия (Фриц Ланг, 1927)
• «Агирре, гнев божий», Германия (Вернер Херцог, 1972)
• «Город скорби», Гонконг (Хоу Сяосянь, 1989)
• «Битва за Алжир», Италия (Джилло Понтекорво, 1966)
• «Зеркало», СССР (Андрей Тарковский, 1974)
• «Развод», Иран (Асгар Фархади, 2011)
• «Лабиринт Фавна», Мексика (Гильермо дель Торо, 2006)
• «Страсти Жанны д’Арк», Дания (Карл Теодор Дрейер, 1928)
• «Броненосец Потемкин», СССР (Сергей Эйзенштейн, 1925)
• «Один и два», Тайвань (Эдвард Ян, 2000)
• «Новый кинотеатр «Парадизо», Италия (Джузеппе Торнаторе, 1988)
• «Дух улья», Испания (Виктор Эрисе, 1973)
• «Фанни и Александр», Швеция (Ингмар Бергман, 1982)
• «Олдбой», Южная Корея (Пак Чхан-ук, 2003)
• «Седьмая печать», Швеция (Ингмар Бергман, 1957)
• «Жизнь других», Германия (Флориан Хенкель фон Доннерсмарк, 2006)
• «Все о моей матери», Испания (Педро Альмодовар, 1999)
• «Время развлечений», Франция (Жак Тати, 1967)
• «Небо над Берлином», Германия ( Вим Вендерс, 1987)
• «Леопард», Италия (Лукино Висконти, 1963)
• «Великая иллюзия», Франция (Жан Ренуар, 1937)
• «Унесенные призраками», Япония (Хаяо Миядзаки, 2001)
• «Яркий летний день», Тайвань, (Эдвард Ян, 1991)
• «Крупный план», Иран (Аббас Киаростами, 1990)
• «Андрей Рублев», СССР (Андрей Тарковский, 1966)
• «Жить», КНР (Чжан Имоу, 1994)
• «Город бога», Бразилия (Фернанду Мейреллиш, Катя Лунд)
• «Хорошая работа», Франция (Клэр Дени, 1999)
• «Клео от 5 до 7», Франция (Аньес Варда, 1962)
• «Приключение», Италия (Микеланджело Антониони, 1960)
• «Дети райка», Франция (Марсель Карне, 1945)
• «4 месяца, 3 недели и 2 дня», Румыния (Кристиан Мунджиу, 2007)
• «Виридиана», Испания (Луис Бунюэль, 1961)
• «Сталкер», СССР (Андрей Тарковский, 1979)
• «Аталанта», Франция (Жан Виго, 1934)
• «Шербурские зонтики», Франция (Жак Деми, 1964)
• «Наудачу, Бальтазар!», Франция (Робер Брессон, 1966)
• «Поздняя осень», Япония (Ясудзиро Озу, 1949)
• «Ешь, пей, мужчина, женщина», Тайвань (Энг Ли, 1994)
• «Жюль и Джим», Франция (Франсуа Трюффо, 1962)
• «Чунгкинский экспресс», Гонконг (Вонг Кар-Вай, 1994)
• «Солярис», СССР (Андрей Тарковский, 1972)
• «Мадам де…», Франция (Макс Офюльс, 1953)
• «Иди и смотри», СССР (Элем Климов, 1985)
• «Презрение», Франция (Жан-Люк Годар, 1963)
• «Управляющий Сансё», Япония (Кэндзи Мидзогути, 1954)
• «Туки-Буки», Сенегал (Джибрил Диоп Мамбети, 1973)
• «Весна в маленьком городе», КНР (Фэй Му, 1948)
• «Три цвета: синий», Польша-Франция (Кшиштоф Кесьлёвский, 1993)
• «Слово», Дания (Карл Теодор Дрейер, 1955)
• «Страх съедает душу», Германия (Райнер Вернер Фассбиндер, 1973)
• «Ангел-истребитель», Испания (Луис Бунюэль, 1962)
• «Сказки туманной луны после дождя», Япония (Кэндзи Мидзогути, 1953)
• «Любовь», Франция-Германия (Михаэль Хенеке, 2012)
• «Затмение», Италия (Микеланджело Антониони, 1962)
• «Счастливы вместе», Гонконг (Вонг Кар-Вай, 1997)
• «Жить», Япония (Акира Куросава, 1952)
• «Человек с киноаппаратом», СССР (Дзига Вертов, 1929)
• «Безумный Пьеро», Франция (Жан-Люк Годар, 1965)
• «Дневная красавица», Франция (Луис Бунюэль, 1967)
• «И твою маму тоже», Мексика (Альфонсо Куарон, 2001)
• «Конформист», Италия (Бернардо Бертолуччи, 1970)
• «Крадущийся тигр, затаившийся дракон», Тайвань (Энг Ли, 2000)
• «Ран», Япония (Акира Куросава, 1985)
• «Забытые», Мексика (Луис Бунюэль, 1950)
• «Селина и Жюли совсем заврались», Франция (Жак Риветт, 1974)
• «Амели», Франция (Жан-Пьер Жене, 2001)
• «Дорога», Италия (Федерико Феллини, 1954)
• «Скромное обаяние буржуазии», Франция (Луис Бунюэль, 1972)
• «Умберто Д.», Италия (Виттори де Сика, 1952)
• «Взлетная полоса», Франция (Крис Маркер, 1962)
• «Ночи Кабирии», Италия (Федерико Феллини, 1957)
• «Повесть о поздней хризантеме», Япония (Кэндзи Мидзогути, 1939)
• «Земляничная поляна», Швеция (Ингмар Бергман, 1957)
• «Хиросима, любовь моя» Франция (Ален Рене, 1959)
• «Мужские разборки», Франция ( Жюль Дассен, 1955)
• «Сцены из супружеской жизни», Швеция (Ингмар Бергман, 1973)
• «Подними красный фонарь», КНР (Чжан Имоу, 1991)
• «Где дом друга?», Иран (Аббас Киаростами, 1987)
• «Плывущие облака», Япония (Микио Нарусэ, 1955)
• «Шоа», Франция (Клод Ланцман, 1985)
• «Вкус вишни», Иран (Аббас Киаростами, 1997)
• «Под жарким солнцем», Гонконг (Цзян Вэнь, 1994)
• «Пепел и алмаз», Польша (Анджей Вайда, 1958)
• «Пейзаж в тумане», Греция (Тео Ангелопулос, 1988)

Автор фото, Movie Poster Image Art/Getty

Как мы видим, в сотню лучших попали семь фильмов русскоязычных режиссеров, при том, что фильм «Зеркало» признанного на Западе режиссера Андрея Тарковского попал даже в первую двадцатку. Всего в сотню вошли четыре фильма Тарковского — «Зеркало», «Андрей Рублев», «Сталкер» и «Солярис».

При этом надо оговориться, что военная драма Элема Климова «Иди и смотри» (59-е место) снималась в советское время как на «Мосфильме», так и на студии «Беларусьфильм», так что пуристы могут записать ее и в анналы белорусского кинематографа.

Также отметим, что две картины из этой замечательной семерки немые — Сергея Эйзенштейна и Дзиги Вертова (24-е место и 73-е соответственно) — однако их новаторство неоспоримо, и до сих пор они рекомендуются к просмотру всем студентам кинематографических вузов.

Классик итальянского кино Федерико Феллини, как и Тарковский, четырежды отмечен международными критиками. Их обошел только Луис Бунюэль, творивший за свою долгую творческую жизнь под флагами трех разных стран — Испании, Франции и Мексики; пять его кинокартин попали в топ-100.

Треть списка — это фильмы, произведенные азиатскими режиссерами, причем 11 из них сняты в Японии, как, естественно, и «призёр», получивший первое место — «Семь самураев» Акиро Куросавы.

Однако не надо забывать, что представленный список составлен кинокритиками, чьи вкусы порой расходятся с публикой, у которой могут быть несколько иные предпочтения и свои «лучшие из лучших».

Автор фото, Movie Poster Image Art/Getty

Шорт возьми: у кого из российских претендентов есть шанс на «Оскар» | Статьи

Три картины российских авторов, 10 февраля вошедшие в шорт-лист кинопремии «Оскар», ждет отбор в номинациях. Для попадания в этот почетный список сегодня имеют немалое значение и политика, и актуальность работы, не отрицают эксперты. Так, в Российском оскаровском комитете «Известиям» сообщили, что все эти факторы учитывались при выдвижении ленты Андрея Кончаловского. Но для получения заветной статуэтки одного лишь сочетания этих ингредиентов недостаточно — не менее важно и продвижение. Методику отбора и перспективы отечественных картин «Известия» обсудили с экспертами, членами Киноакадемии и претендентами на приз.

Три богатыря

Фильмы российских авторов поспорят за выход в финальную стадию в трех номинациях. «Дорогие товарищи!» Андрея Кончаловского, повествующий о расстреле рабочих, поднявших мятеж в Новочеркасске в 1962 году, выдвинут от России как лучший иноязычный фильм. «Гунда» Виктора Косаковского (Норвегия, США) сделана без участия РФ и претендует на звание лучшего полнометражного документального фильма. В картине мир людей подан глазами животных, которые в конце концов попадают на стол. Также в этой категории и в номинации «Лучшие визуальные эффекты» — картина «Добро пожаловать в Чечню», в центре которой проблемы секс-меньшинств (продюсер и оператор Аскольд Куров). Правда, снята она режиссером из США Дэвидом Фрэнсом на американские же деньги.

«Дорогие товарищи!» и «Добро пожаловать в Чечню» в России уже официально вышли и доступны зрителям. «Гунда» куплена для проката, заявленная дата релиза — 15 апреля.

Кадр из фильма «Добро пожаловать в Чечню»

Фото: BBC Storyville

Все фильмы на первый взгляд соответствуют нынешним трендам «Оскара», который уже не первый год упрекают в тенденциозности. Столкновение с тоталитарным режимом, веганский манифест, преследование сексуальных меньшинств — эти темы, как правило, находят понимание у киноакадемиков. Кроме того, ленты показывались на международных кинофестивалях, а киноакадемики реагируют на то, что на слуху.

Однако, по мнению российских членов Американской киноакадемии, на попадание картины в шорт-лист помимо соответствия трендам влияет множество нюансов.

Политика или искусство

Режиссер Сергей Дворцевой уверен, что «Гунда» — картина не политическая и не конъюнктурная. По его мнению, она, наоборот, идет вразрез с общим течением.

— Во всем мире документальное кино выродилось в некий журналистский жанр, — отметил в беседе с «Известиями» режиссер. — «Гунда» — это кино в классическом понимании, чистое искусство, медленное, без слов. Поэтому я за нее и голосовал. В академиках не все веганы.

Для документалистики на «Оскаре» актуальность является существенным обстоятельством, и если бы картина не была связана с вегетарианством и в широком смысле с политикой зеленых, она не попала бы в шорт-лист, подчеркнул киноакадемик Виталий Манский.

Продюсер фильма «Добро пожаловать в Чечню» Аскольд Куров уверен, что его фильм пробудил в людях сочувствие, и именно поэтому, а не только за актуальность, был выбран в шорт-лист.

Кадр фильма «Гунда»

Фото: Artemis Rising Foundation

— На Берлинале наш фильм получил приз зрительских симпатий, и у нас на всех показах были аншлаги и эмоциональные обсуждения, — рассказал «Известиям» Аскольд Куров. — Мы получили очень теплые отзывы, нам говорили, что потрясают именно человеческие истории, рассказанные в ленте. Зрители ведь не учитывают никакую конъюнктуру или политическую ситуацию. Они голосуют за то, что их взволновало и тронуло.

В особом положении находится картина Андрея Кончаловского, отмечают эксперты. У нее хороший шанс войти в номинанты и побороться за победу: Кончаловский в Америке свой, а у киноакадемиков присутствует традиционное уважение к советскому кино, из которого вышел Андрей Сергеевич. Но и трудностей предстоит немало. Прежде всего, картина, несмотря на актуальный тренд, не вписывается в мультикультурные устремления нынешнего «Оскара».

— Шорт-лист в категории «Лучший зарубежный фильм» несет на себе четкий отпечаток нынешней борьбы по поводу репрезентации разного рода меньшинств, — отметил киновед, программный директор ММКФ Кирилл Разлогов. — Широко представлены картины из небольших кинематографий экзотического содержания, чего раньше не было. В этих фильмах присутствуют люди разного цвета кожи, вероисповедания, сексуальных предпочтений и всего того, что в оскаровских бумагах рекомендуется. Фильм Кончаловского в приоритеты этой новой политкорректности не входит.

«Внятный месседж»

Телефон Владимира Меньшова, председателя Российского оскаровского комитета, выдвинувшего картину Кончаловского на «Оскар», на момент публикации был недоступен. Но Владимир Котт, входящий в комитет, сообщил, что политическую повестку при голосовании они тоже учитывали.

— Когда мы решали, кого отправить на «Оскар», в шорт-листе были достойнейшие российские картины. Но мы еще думали про шансы. У Андрея Сергеевича они неоспоримо выше, чем у других, — признал режиссер. — Поскольку фильм Андрея Кончаловского черно-белый, а большинство академиков — звезды прошлого века, им понравится визуальная составляющая. Но при этом его фильм еще и предельно актуален. Он показывает трансформацию личности в тоталитарном государстве. Героиня Юлии Высоцкой из винтика советской тоталитарной машины превращается в настоящую женщину, начинает прозревать и сочувствовать. Это внятный месседж. Учитывая наши отношения с Америкой, он будет немедленно прочитан и воспринят как активный политический жест.

Кадр из фильма «Дорогие товарищи!»

Фото: Дисней Студиос

В продюсерском центре Андрея Кончаловского «Известиям» сообщили, что мэтр считает шорт-лист «техническим этапом» и будет давать комментарии после выхода в номинацию. Остальные российские претенденты не слишком высоко оценивают свои шансы.

— Если учесть, какое количество средств тратят Netflix, Amazon, National Geographic на промоушен своих картин, надеяться мне совершенно бесполезно даже на номинацию, — рассуждает Виктор Косаковский. — Решение будет в основном за деньгами. Сколько вложат продюсеры в прессу, в рекламу.

Аскольд Куров тоже не уверен в победе своей картины. Среди своих главных конкурентов он называет «Лагерь калек» Netflix и «Время» Amazon.

Россия на «Оскаре»

Российские фильмы в последнее время добираются до оскаровских шорт-листов практически ежегодно. Так, по итогам 2019-го в короткий список также попали три наши ленты: игровая «Дылда» Кантемира Балагова, документальная «Акварель» Виктора Косаковского и анимационная «Он не может жить без космоса» Константина Бронзита. Увы, ни одной из них не было в итоговом списке номинаций.

Последний раз режиссеру, представлявшему нашу страну, повезло попасть в номинанты в 2018-м. Это была «Нелюбовь» Андрея Звягинцева, тем самым он повторил успех собственного «Левиафана», вышедшего тремя годами ранее.

Кадр из фильма «Дылда»

Фото: Пионер

Если же говорить о победах, то самый недавний наш оскаровский триумф датируется 2000-м годом — тогда Александр Петров получил статуэтку за короткометражную анимацию «Старик и море». А в номинации за лучший иноязычный фильм мы не побеждали с 1994-го: «Утомленные солнцем» Никиты Михалкова — до сих пор единственная игровая оскароносная картина в постсоветской истории России.

У СССР улов был больше. Свой первый «Оскар» наши соотечественники получили в 1942 году за документальный фильм «Разгром немецких войск под Москвой». Целых две статуэтки завоевала в 1968 году эпичная «Война и мир» Сергея Бондарчука — за лучший фильм на иностранном языке и лучшую работу художников-постановщиков (Михаил Богданов и Геннадий Мясников). Следующим советским лауреатом в 1975-м стал «Дерсу Узала», сделанный по роману исследователя Дальнего Востока Владимира Арсеньева. Правда, отечественным его можно назвать с небольшой оговоркой. Фильм снял японский классик Акира Куросава, но сценарий ему помогал писать Юрий Нагибин, ведущей студией был «Мосфильм», а все роли сыграли советские актеры. Наконец, в 1981-м киноакадемиков покорила мелодрама Владимира Меньшова «Москва слезам не верит».

текст, цитаты фильма, читать содержание, описание

«Жить»
Продюсер: Содзиро Мотоки
Сценарий: Акира Куросавы Шиноби Хашимото, Хидео Огуни
Оператор: Асаичи Накаи
Композитор: Фумио Хаясака
В главных ролях
Такаши Шимура
Шиничи Химори, Харуо Танака Минору Чиаки и другие
Режиссер: Акира Куросава
Вот рентгеновский снимок желудка нашего героя.
У него обнаружен рак, но он еще ничего об этом не знает.
Начальник отдела по связям с общественностью
Прошу прощения, но ведь этот отдел, наша прямая связь с местными властями.
И мы можем здесь пожаловаться или навести справку.
Мы хотим сказать, почему бы не сделать на том участке детскую площадку?
Там пришли женщины из Курое-чо.
Пусть идут в отдел общественной работы.
Перед вами… герой нашей истории.
Но все, что бы мы ни сказали о нем, будет иметь печальный оттенок.
Он просто убивает время, дрейфует в жизненном потоке.
Можно сказать, что он толком и не живет.
Мисс Одагири, прошу вас, держите себя в руках.
Но это так смешно!
Это шутка, которую кто-то не заметил.
Прочтите нам.

— Никогда не брал выходной?
— Нет.
Почему? Ты что, незаменим?
Нет, я как раз не хочу, чтобы они поняли, что обойдутся и без меня.
Положительно, о нем нечего сказать. Он больше похож на труп.
Фактически, он мертв уже, в течение 25 лет.
А и до этого он пытался жить и даже работать.
Предложения по улучшению работы офиса
Кандзи Ватанабе, 7 ноября 1933 года
Теперь у него нет ни предприимчивости, ни амбиций.
Бюрократические сложности способны уничтожить любое начинание.
Но, конечно, он очень занят.
Он с утра до вечера занят протиранием своих штанов.
В его мире, лучший способ удержаться на плаву,
это абсолютно ничего не делать.
Но разве такой должна быть жизнь?
Разве этого достаточно?
И пройдет еще много бесполезных часов, и состояние здоровья сильно ухудшится,
прежде чем мысли этого человека примут правильное направление.
Детские площадки находятся в ведении отдела парков. Обратитесь туда.
Осушить стоячую воду? Это в департамент здравоохранения.
Попробуйте в санитарном отделе.
В отдел окружающей среды.
В отделение профилактики.
В карантинный отдел.
Комары, говорите? Попробуйте в отдел борьбы с паразитами.
Осушить стоячую воду?
Вам надо к ассенизаторам.
Там был коллектор сточных вод, но была и дорога.
Идите в отдел дорожного строительства.
К сожалению, детальный план еще не утвержден.
Спросите в жилищном планировании.
Пожарный отдел категорически возражает против осушения этого участка.
Им нужно, чтобы там была вода.
Какая ерунда! Нам нужна вода, но не застойные воды.
Комары не помогут нам тушить пожар.
Грязная вода приводит в негодность брансбойты и помпы.
Скорее всего, построят детский бассейн. А это уже отдел образования.
Ведь это не чисто детская проблема,

Жить (фильм, 1952) — это… Что такое Жить (фильм, 1952)?

У этого термина существуют и другие значения, см. Жить.

«Жить» (яп. 生きる Ikiru^?) — кинофильм режиссёра Акиры Куросавы, вдохновлённый повестью Л. Н. Толстого «Смерть Ивана Ильича»^[1]. Вышел на экраны в 1952 году. Фильм до сих пор остаётся одним из лучших драматических фильмов в истории^[2][3].

Сюжет

Kандзи Ватанабэ, начальник отдела городской управы, узнаёт, что у него рак желудка и жить ему осталось недолго, максимум год. Он пытается рассказать это своему сыну, но так и не рассказывает, вместо этого лишь убеждается, что на самом деле он очень одинок и отчуждён от своего родного сына. Кандзи внезапно понимает, что жизнь его была пустой, скучной и бесполезной, впустую потраченной на дурацкой работе, на которой он в течение 30 лет был постоянно чем-то занят. За эти 30 лет Кандзи не пропустил ни одного рабочего дня, но на следующий день он не приходит на работу. Ватанабэ снимает со счёта накопленные за это время деньги и уходит в Токийскую ночь. Он много размышляет о своей жизни. В баре он встречает опустившегося поэта и выкладывает ему всю душу. Вместе они бродят по городу и тратят деньги в кабаках и ресторанах. Когда Кандзи возвращается домой, его укоряет ничего не понимающий сын. Позже по дороге он встречает девушку, которая намеревается уволиться из офиса, где он работает начальником, так как не хочет там больше оставаться. Кандзи ставит печать на бумаги об увольнении, но решает пригласить её провести с ним время. Он замечает в ней сильную страсть к жизни. Также видя, что теперь она работает на фабрике по изготовлению детских игрушек, это наталкивает его на неожиданную цель в жизни. Он, пытаясь противостоять всей системе и бюрократии, в которой сам проработал 30 лет своей жизни, через все унижения и даже угрозы жизни пытается протолкнуть оформление бумаг, необходимых для строительства детской площадки. Ватанабэ торопится успеть сделать действительно что-то стоящее перед своей смертью.

В ролях

• Такаси Симура — Кандзи Ватанабэ
• Синъити Химори — Кимура
• Харуо Танака — Сакай
• Минору Тиаки — Ногути
• Мики Одагири — Тоё Одагири
• Бокудзэн Хидари — Охара
• Нобуо Канэко — Мицуо Ватанабэ, сын Кандзи
• Кёко Сэки — Кадзуэ, жена Мицуо
• Юноскэ Ито — писатель
• Макото Кобори — Киити Ватанабэ, брат Кандзи

Награды

• 1953 — три премии «Майнити»: лучший фильм (Акира Куросава), лучший сценарий (Синобу Хасимото, Акира Куросава, Хидэо Огуни), лучшая звуковая запись (Фумио Яногути)
• 1953 — приз «Золотой волк» Бухарестского кинофестиваля
• 1954 — Специальный приз Берлинского сената, а также номинация на приз «Золотой медведь» Берлинского кинофестиваля
• 1960 — номинация на премию BAFTA лучшему зарубежному актеру (Такаси Симура)

Художественные особенности

В фильме можно выделить две части, отличающиеся характером повествования. В первой половине фильма в прямой последовательности рассказывается о действиях главного героя после того, как он узнал о своей болезни. Во второй части показаны поминки героя, на которых его сослуживцы делятся своими соображениями о последних месяцах жизни покойного. Из этих отрывочных воспоминаний зритель узнаёт о деятельности Ватанабэ по строительству детской площадки. Обе части предваряются закадровым текстом, который сначала знакомит зрителя с героем, а затем сообщает, что тот скончался. По словам кинокритика Робина Вуда:^[4]

Его [фильма] репутация первоначально основывалась на серьёзности его темы (как человек, которому осталось жить лишь несколько месяцев, находит смысл жизни?), его гуманизме (приверженность Куросавы индивидуальному героизму, открытому в очевидно незначительном и непримечательном человеке), его социальной критике (сатира на бюрократию) и силе и прямоте его эмоционального призыва… «Грубо отёсанная» геометрия, использование рассказчика, резкий разрыв в повествовании и часто разрывающийся монтаж вместе приводят к сильному ощущению отдалённости. Что действительно является замечательным в фильме «Жить» и ключевым в «изюминке» Куросавы — так это способ, при помощи которого эта отдалённость сталкивается со столь же сильной эмоциональной риторикой, вызывая постоянное напряжение между вовлечённостью и дистанцией.

Под вечный гул вертящихся колес!..

Оригинальный текст  (англ.)  

Its reputation rested initially on the seriousness of its subject (how does a man with only a few months left to live find meaning in life?), its humanism (Kurosawa’s commitment to individual heroism, discovered in an apparently insignificant and undistinguished person), its social criticism (the satire on bureaucracy), and the power and directness of its emotional appeal… The ‘‘rough-hewn geometry,’’ the use of the narrator, the abrupt narrative break, and the frequently disruptive editing all combine to produce a strong sense of distanciation. What is remarkable about Ikiru, and crucial to the Kurosawa ‘‘flavor,’’ is the way in which this collides with the film’s equally strong emotional rhetoric, setting up a continuous tension between involvement and distance.

Примечания

Ссылки

Куросава, Имоу, Китано, Ли Чан Дон. Немного азиатского кино. Последние свежие новости Воронежа и области

Вокруг слякоть, и, скорее всего, вам хочется каких-нибудь новых красок. Когда надоедает привычный рацион в виде пельменей и жареной картошки (утрирую, конечно), некоторых тянет на фунчозу, роллы, а кого-то и вовсе – на креветки с манго и стеклянной лапшой. Современные технологии пока не позволяют передавать еду виртуально, но я могу поделиться своим киноменю на выходные. Итак, кинематограф дальневосточной Азии. Четыре фильма.

Япония, Китай, снова Япония, Южная Корея. Без лишних специй, китча и экзотики.

«Дерсу Узала»

Режиссер: Акира Куросава

Год выпуска: 1975

Страна: СССР, Япония

Один из фильмов СССР, номинированный на Оскар. Снят Куросавой по мотивам по мотивам путевых заметок Владимира Арсеньева «По Уссурийскому краю». Соавтором по сценарию выступил писатель Юрий Нагибин. Об этом периоде творчества великий японец всегда вспоминал с особой теплотой (тогда как сотрудничество с Голливудом, к примеру, оказалось катастрофически провальным). В фильме, разбитом на две части, рассказывается о сильных духом людях, которым есть чему друг у друга поучиться. С одной стороны – русский ученый, военный путешественник и писатель Владимир Арсеньев (в исполнении Юрия Соломина) и его верные товарищи, с другой – таежный охотник Дерсу Узала (в исполнении Максима Мунзука), олицетворяющий потаенные могучие силы тайги и вообще человека, не испорченного цивилизацией. Невероятно красивые натурные съемки, насыщенный и динамичный сюжет (попереживать за героев придется не раз), прорисованные, не ходульные характеры и никакой тебе излишней рефлексии. Удивительно, но в картине вообще нет отрицательных персонажей (они остаются за кадром), но от этого фильм приторным не становится, все происходит с точностью до наоборот. Теплота на душе и жажда искренности и настоящей жизни без фальши – вот последствия просмотра картины.

Композитором, кстати, выступил Исаак Шварц.

Куросава вообще трепетно относился к русской культуре. Считал Льва Толстого своим учителем, экранизировал «Смерть Ивана Ильча» (в прокате называется «Жить»). Сделал свою версию «Идиота» Достоевского, где роли исполняли исключительно японские актеры.

«Жить» (Huo Zhe)

Режиссер: Чжан Имоу

Год выпуска:1994

Страна: Китай, Гонконг.

Современного зрителя трудно заставить смотреть кино продолжительностью больше полутора часов, если речь не идет о сериалах. Но «Жить» магнетически не отпускает от экрана, даже титры (и финал, на фоне которого они идут) завораживают. Формально, это об эпохе «культурной революции». История одной китайской семьи, показанная во временном срезе продолжительностью в 20 лет (с сороковых по шестидесятые), но фактически здесь современными средствами (с вкраплениями «театра теней») мастерски и доступно для европейского зрителя показаны менталитет китайского народа, формировавшийся тысячелетиями, и основы даосской философии, где кромешные бури (читай – исторические) переживает не дуб ветвистый, который рано или поздно вырвет с корнем или он сломается под собственной тяжестью, а гибкий тростник, гнущийся под всеми ветрами, но не ломающийся и, что более важно – остающийся собой, несмотря ни на что. Чжан Имоу принадлежит к так называемому «пятому поколению китайских кинорежиссеров», первым выпускникам киноакадемии после «культурной революции», сильно зажавшей возможности национального кинематографа.

К «пятому поколению» также относятся: Чэнь Кайгэ, Тянь Чжуанчжуан и Чжан Цзюньчжао. Именно эти режиссеры прорубили национальному кинематографу дверь на престижные европейские кинофестивали. Неподражаемый Гэ Ю, добавивший щепотку комичности даже в самые безысходные моменты (впрочем, беспросвета в фильме нет – нашим бы так научиться снимать про драматические моменты истории!), и красавица Гун Ли, не теряющая своего шарма даже в самой простой одежде. На этой неделе фильм был обкатан на совместном киноклубе книжного клуба «Петровский» и центра иностранных языков «Комментарий», где присутствовали китайские гостьи.

P.S. Есть в этой экранизации одноименного романа Юй Хуа что-то от Тихого Дона…

«Кикуджиро» (Kikujirô no natsu)

Режиссер: Такеши Китано

Год выпуска:1999

Страна: Япония

Фильм, удививший многих еще на Каннском фестивале 1999 года. Не перестающий удивлять и поныне. Всем, у кого Такеши ассоциируется исключительно с жестокими полицейскими («Жестокий полицейский»), якудза («Фейерверк», «Брат Якудзы»), кровавыми разборками (вышеперечисленное и даже сверх того), слепыми странствующими массажистами-самураями («Затоичи»), срочно смотреть «Кикуджиро». Главный герой – не подарок. Великовозрастный шалопай с сомнительным прошлым. Заядлый игрок, пьяница, не обученный хорошим манерам и искусству этикета, предпочитающий переговорам драку. Но именно он назначен судьбой в сопровождающие милому, тихому и очень одинокому мальчику Масао, желающему навестить маму, которую он давно не видел. Скучной эта поездка точно не будет. Картину иногда сравнивают с «Алисой в городах» Вима Вендерса, где главный герой оказывается в похожей ситуации. На этом сходство заканчивается. Изначально название картины «Лето по имени Кикуджиро». И это больше соответствует традиционной японской поэтике восприятия мира, когда время года (как и флора с фауной) отождествляется с человеком. И здесь уже есть что-то от Ясудзиро Одзу. Такеши и раньше признавался в любви к «японскому певцу детских шалостей и старческого умиротворения», но выразил свою любовь в полной мере он именно в «Кикуджиро». Захочется продлить настроение – посмотрите «Сцены у моря», но там больше светлой грусти.

«Тайное сияние» (Milyang)

Режиссер: Ли Чан Дон

Год выпуска: 2007

Страна: Корея Южная

Сюжет: «Син Э переезжает вместе со сыном Чжуном из Сеула в провинциальный Мильян, родной городок ее недавно скончавшегося мужа. Пока она берет себя в руки и старается наладить хоть как-то свою жизнь, происходит еще одно трагическое событие».

У нас киношную Южную Корею знают в основном по работам Ким Ки Дука. Самое время познакомиться с творчеством Ли Чан Дона и убедиться, что у современного корейца с современным русским много общего. В одно мгновение все может пойти прахом. А потом, отчаявшегося, тебя могут заманить в какое-нибудь религиозное сообщество (типа «Свидетелей Иеговы»), и поначалу будет казаться, что тебе удалось заполнить всепоглощающую пустоту и утихомирить отчаяние, смириться с невосполнимой потерей, но боль скоро вернется – и вот тебя уже воротит от елейных лиц, у которых все как-то до тошноты «хорошо».. Фильм, по-моему, отлично понятный для русского менталитета. Извечная проблема теодицеи, выраженная еще Достоевским (грубо говоря, «если бог есть – почему он позволяет всем этим безобразиям на земле твориться, а хорошим людям – страдать?»). Знания каких-то особых символов, расшифровки их, дешифровки не требуется. Единственный ключ – сочувствие. Первую половину фильма мне казалось, что я смотрю этот фильм умозрительно-цинично, меня не волнуют проблемы героини, а интересны только киношные детали, как все это сделано. И вот уже я сижу и чувствую, как внутри все сжимается, как меня лихорадит и как невыносимо растет напряжение. Особенно сцена, где героиня (как и в «Гамлете», непонятно – то ли она правда сошла с ума, то ли конспирируется) соблазняет (почти) в чистом поле одного из иеговистов, мужа одной из иеговисток и, смотря на небо, неподражаемо-мстительно произносит: «Ты все видишь? Все?». Для нее бог – несправедливый отец, чьей любви она так тщетно добивалась… И эта тви-поп песня с рефреном «не верю», поставленная бунтаркой в исполнении Чон До Ен, дабы заглушить приторные речи одного из вожаков местной общины. Смотреть желательно на языке оригинала с субтирами, дабы прочувствовать всю певучесть корейского языка. Иногда, когда героиня плачет, кажется, будто она поет. Гениально и горько.

Фильм сравнивают с «Юрьевым днем» Кирилла Серебренникова. Сюжеты действительно похожи.

Заметили ошибку? Выделите ее мышью и нажмите Ctrl+Enter

Обзор фильма Икиру и его краткое содержание (1952)

Его
отпуск в офисе продолжается день за днем. Наконец-то молодая женщина
кто хочет уйти в отставку, выслеживает его, чтобы поставить печать на ее бумагах.

He
просит ее провести с ним день, и они идут в залы патинко и
кино. Она называет ему свои прозвища для всех в офисе. Его прозвище
«мамочка.» Она боится, что обидела его, но нет: «Я
стала мамой ради сына, но он меня не ценит.«

Она
призывает его пойти навестить своего сына. Но когда он пытается рассказать ему о своем
болезнь, сын отрезает его — настаивает на получении причитающегося ему имущества раньше
старик тратит их на женщин. Позже, на последней прогулке с молодыми
женщина, он рассказывает ей о времени, когда он был молод и думал, что тонет.
Он говорит: «Мой сын где-то далеко — так же, как мои родители были далеко.
когда тонул «.

слово «Икиру» было переведено как «Жить», и в некоторых
Указывая на его долгое погружение в отчаяние, мистерВатанабэ решает достичь
по крайней мере, одну стоящую вещь перед тем, как он умрет. Он приходит к этому решению в
ресторан, разговаривая с молодой женщиной, в то время как в комнате позади них есть
праздник продолжается. Когда он уходит, девушки в другой комнате поют «Happy
День рождения »другу — но они поют в честь возрождения Ватанабэ.

А
группу женщин перебрасывали из одного офиса в другой в знак протеста
против лужи застоявшейся воды по соседству.Ватанабэ становится
сумасшедший, лично сопровождая дело от одного бюрократа к другому,
решил увидеть, что детский парк будет построен на пустыре, прежде чем он
умирает. Все это привело к окончательному триумфу Ватанабэ, который был отмечен в одном из величайших
заключительные кадры в кино.

сцены его усилий идут не в хронологическом порядке, а как воспоминания
от его похорон. Семья Ватанабэ и единомышленники собираются, чтобы вспомнить
он слишком много пил и, наконец, слишком много говорил, пытаясь разгадать
тайна его смерти и поведения, которое к ней привело.И здесь мы видим
настоящее сердце фильма, в том смысле, что усилия одного человека сделать правильные вещи могут
вдохновлять, сбивать с толку, гневить или расстраивать тех, кто видит это только
снаружи, сквозь призму их собственных неизученных жизней.

Билл Найи сыграет в адаптации Кадзуо Исигуро «Икиру» Куросавы — крайний срок

Билл Найи ( Реальная любовь, ) и восходящая британская актриса Эйми Лу Вуд ( Половое воспитание, ) сыграют главную роль в фильме « Жизнь » режиссера Оливера Хермануса ( Моффи ).

Сценарий лауреата Нобелевской и Букеровской премии Кадзуо Исигуро ( The Remains of The Day ) представляет собой англоязычную адаптацию классического фильма Ikiru 1952 года, написанного Акирой Куросавой, Синобу Хашимото и Хидео Огуни.

Будет продюсировать фильм Стивена Вулли и Элизабет Карлсен № 9 ( Кэрол, ). Планируется, что снимать на месте в Великобритании весной следующего года, и Rocket Science занимается продажами и будет продавать до и на виртуальной AFM в следующем месяце.

Фильм был разработан и будет финансироваться Film4 и Ingenious Media в сотрудничестве с Kurosawa Productions и исполнительным продюсером Ко Куросавой. Номинация на «Оскар» Фиона Кромби ( The Favorite ) стала художником-постановщиком.

Связанная история

Sony’s 3000 Pictures устанавливает «Mrs. Дэви Уоллер из Америки адаптирует фильм Кадзуо Исигуро «Клара и солнце»

Действие фильма происходит в Лондоне 1952 года. Фильм повествует о Вильямсе, ветеране государственного служащего, который стал маленьким винтиком в бюрократии, восстанавливающей послевоенную Англию.Когда на его столе накапливаются бесконечные документы, он узнает, что у него смертельная болезнь. Так начинается его поиск смысла в своей, казалось бы, серой, однообразной жизни, прежде чем он ускользнет.

Он впервые пытается, но с ограниченным успехом, погрузиться в разврат в бурную ночь в Брайтоне в компании богемного писателя, с которым он там дружит. Затем, вернувшись в Лондон, он целыми днями игнорирует семейные и рабочие обязанности. Но вскоре он заинтригован Маргарет, молодой сотрудницей в его офисе, которая, кажется, точно иллюстрирует, что такое жизнь и жизнь — и что до сих пор могло пройти мимо него.По мере того, как их дружба растет, она — непреднамеренно — показывает ему способ преодолеть свою смертность; как использовать свой многолетний опыт и преданность делу для окончательной решительной попытки реализовать, несмотря ни на что, скромный, долго откладывавшийся проект для детей в бедном районе Восточного Лондона.

Номинированный на премию BAFTA Икиру регулярно играл главную роль в Куросаве Такаши Шимура и играл на Токийском и Берлинском кинофестивалях.

Кадзуо Исигуро сказал: «Внутренняя история предполагает, что каждый из нас несет ответственность за то, чтобы привнести смысл и удовлетворение в свою жизнь.Что, несмотря ни на что, мы должны попытаться найти способ гордиться и быть довольными той жизнью, которую мы ведем. Я считаю, что эта история может рассказать о многих из нас, которые вынуждены проводить долгие часы каждый день, привязанные к столам и экранам — тем более в эпоху COVID — изо всех сил пытаясь понять, каким может быть наш индивидуальный вклад в более широкой картине. ”

Директор

Оливер Херманус добавил: «В основе Living лежит сообщение о том, что цель человека, его следы могут быть постепенными, незначительными и несколько незаметными в общей схеме вещей.Но эти достижимые усилия помочь другим и быть силой добра в мире — вот что такое жизнь и жизнь. Я думаю, что мир мог бы использовать больше подобных историй, возможно, сейчас больше, чем когда-либо прежде ».

«Идея объединить величайшего всемирно известного японского режиссера Куросаву с величайшим из ныне живущих писателей Исигуро вместе с чрезвычайно талантливым Оливером Херманусом — мечта продюсера. Это фильм о том, как небольшое действие может стать знаменательным событием, и обаяние, остроумие и серьезность Билла Найи идеально подходят для того, чтобы возглавить фильм, кульминацией которого стал крошечный, но эпический жест, который кажется не только уместным, но и чрезвычайно важным для нынешних бурных событий. раз », — прокомментировали Стивен Вулли и Элизабет Карлсен.

Новая книга Исигуро, Клара и Солнце , будет опубликована Faber & Faber 2 марта 2021 года.

Найи представляют CAA и Markham, Froggatt & Irwin. Кертис Браун. Эйми Лу Вуд — представитель компании Independent Talent. Оливер Херманус возглавляет Independent Talent. Литературное агентство RCW и представитель ICM Кадзуо Исигуро. Kurosawa Productions юридически представлены в законе о СМИ Джеймса Финни.

Токио | История, население и факты

Токио , ранее (до 1868 г.) Эдо , город и столица Токио с по (мегаполис) и Японии.Он расположен в начале Токийского залива на тихоокеанском побережье центрального Хонсю. Это центр обширного мегаполиса, который часто называют Большим Токио, крупнейшей городской и промышленной агломерации в Японии.

Британская викторина

Викторина по столицам мира

Можете ли вы определить национальные столицы мира? В этой викторине вам будут показаны названия 195 стран, и вам нужно будет выбрать город (или города), который является официальной или фактической столицей каждой из них.

Далее следует краткое описание Токио. Для полного обращения, см. столичный район Токио-Иокогама.

Токио был заселен с древних времен; небольшая рыбацкая деревушка Эдо существовала здесь веками. Развитие Эдо в город произошло только в период Токугава (1603–1867), когда он стал столицей сёгуната Токугава. Однако в этот период императорская семья оставалась в Киото, древней столице империи.После реставрации Мэйдзи 1868 года, положившей конец сёгунату, столица была перенесена в Эдо. Город был переименован в Токио, что означает «восточная столица». Эдо был крупнейшим городом Японии с 17 века. В конце 19 века население Токио превысило один миллион человек, и как политический, экономический и культурный центр Японии он стал одним из самых густонаселенных городов мира в 20 веке.

Город построен на невысоких аллювиальных равнинах и прилегающих возвышенностях. Климат здесь мягкий зимой и жаркий и влажный летом.Раннее лето и начало осени — сезоны дождей; два или три тайфуна обычно случаются в сентябре и октябре.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Столичный регион является крупнейшим промышленным, торговым и финансовым центром Японии. Штаб-квартиры многих местных и международных финансовых институтов и других предприятий находятся в центре Токио. Город является важным центром оптовой торговли, где продаются товары со всех концов страны и мира.Токио является частью промышленной зоны Кейхин, расположенной на западном берегу залива, которая стала ведущим производственным регионом страны. В городе преобладают легкие и трудоемкие отрасли промышленности, особенно полиграфия и издательское дело, а также производство электронного оборудования.

Императорский дворец, резиденция японского императора, окруженный каменными рвами и широкими садами, находится в самом центре города. К востоку от Императорского дворца и рядом с ним находится красочный район Маруноути, финансовый центр и крупный центр деловой активности Японии.К югу от дворца находится район Касумигасеки, в котором находится множество государственных учреждений. К западу от него находится Нагатачо, где находится здание национального парламента (парламента). В Токио нет единого центрального делового района, но город усеян городскими центрами, обычно вокруг железнодорожных станций, где сосредоточены универмаги, магазины, отели, офисные здания и рестораны. Между ними находятся менее развитые районы с похожими смесями. Здания в этих районах варьируются от каменных и кирпичных построек периода Мэйдзи (1868–1912) до послевоенных небоскребов из бетона и стали; сокращается количество деревянных построек в японском стиле.Ярко освещенный торговый район Гиндза, расположенный в восточной части центрального города, известен во всем мире. К северо-востоку от Императорского дворца район Канда известен множеством университетов, книжных магазинов и издательств. Хотя парки Токио не такие большие, как в некоторых крупных городах Америки или Европы, они многочисленны и часто содержат изысканные японские сады.

Мост Ниджу

Мост Ниджу, пересекающий внутренний ров территории Императорского дворца, Токио, Япония, и (в центре) Башню Фусими, одну из немногих сохранившихся построек дворца, построенных во времена Эдо.

Leo de Wys Inc. / Стив Видлер

Токио — крупнейший культурный центр Японии. Экспозиции, изображающие искусство и историю Японии и Азии, представлены в Токийском национальном музее в парке Уэно. В парке Уэно также есть научный музей, зоологический сад и два крупных художественных музея. Художественные и научные музеи расположены недалеко от Императорского дворца, а музеи различных типов расположены в других частях города. Театральные произведения, включая все, от традиционного Кабуки до современной драмы, исполняются регулярно, равно как и симфонические произведения, оперы и другие западные формы танца и музыки.Токийский университет возглавляет длинный список крупных университетов и колледжей в столичном регионе.

Токио — главный транспортный узел Японии, а также важный международный транспортный узел. Он обслуживается густой сетью электрических железных дорог, метро, ​​автобусных линий и автомагистралей. Станция Токио является центральным железнодорожным вокзалом всей Японии, включая высокоскоростные сверхскоростные поезда Синкансэн из западной Японии. Станция Уэно является конечной станцией железнодорожных линий, идущих в северную Японию, а станция Синдзюку — конечной станцией поездов из центра Хонсю и западных пригородов Токио.Несколько частных линий электропередач обеспечивают междугородние перевозки. Международный аэропорт Токио находится в Нарите в префектуре Тиба, а городской аэропорт Ханэда на берегу залива обеспечивает внутренние рейсы. Площадь 240 квадратных миль (621 квадратный км). Поп. (2005) 8 489 653; (2010) 8 945 695.

washtonpost.com: Style Live: фильмы и видео

‘Режим Куросавы в Ghost of Tsushima не соответствует ажиотажу

Ghost of Tsushima быстро стал одной из самых продаваемых франшиз Sony на PlayStation 4, адаптировав историческое фэнтези самураев в видеоигру. Компания Sucker Punch Productions посвятила целый режим черно-белой камеры Акире Куросаве, чрезвычайно влиятельному японскому режиссеру. Хотя его включение действительно добавляет что-то особенное, режим Куросавы никогда не раскрывает весь свой потенциал из-за некоторых явных недостатков.

С самого начала Ghost of Tsushima дает вам возможность играть в стандартный режим, режим самурая или режим Куросавы. Samurai Mode дает вам японские дубликаты с английскими субтитрами, а Kurosawa Mode делает еще один шаг вперед с несколькими визуальными и звуковыми модификациями, которые имитируют внешний вид классических фильмов, таких как Seven Samurai.

Режим Куросавы в Призраке Цусимы — это больше, чем черно-белый фильтр. Sony Interactive Entertainment

Призрак Цусимы Креативный директор Джейсон Коннелл рассказал о некоторых из этих улучшений Entertainment Weekly незадолго до выпуска игры.Уникальный игровой режим имитирует «кривые, которые могли существовать в фильмах того типа, который [Куросава] мог бы использовать», увеличивает интенсивность механики Guiding Wind и вводит настройки звука, которые «имитируют звуки старого телевизора и, в частности, , мегафоны, радио, телевизоры назад в 50-е ».

Режим Куросавы производит фантастическое первое впечатление: Призрак Цусимы открывающая последовательность почему-то выглядит еще более ошеломляющей в монохромном режиме. Но как только Юна спасает Джин Сакаи, и вы начинаете играть всерьез, трещины начинают проявляться очень быстро.

Бой и поиск целей не работают в режиме Куросавы, в основном из-за окраски. Эти недостатки становятся еще более очевидными, когда вы начинаете знакомство с открытым миром и его многочисленными побочными квестами. Режим Куросавы обеспечивает всю эстетику, для которой он предназначен — и это особенно ценно при использовании фоторежима Ghost of Tsushima — но этот визуальный стиль лучше подходит для фильмов, чем для видеоигр.

В режиме Куросавы многие из игровых роликов превращаются в простые кадры с обратным кадром, в то время как побочные квесты оттягивают камеру назад неудобным образом, который в конечном итоге кажется повторяющимся.В нем нет конкретных классических фильмов и практически не используется кинематографический потенциал Режима Куросавы.

Как только вы вступаете в бой, режим Куросавы становится прямым препятствием для вашей игры. Ghost of Tsushima Бой довольно прост на более низких уровнях сложности, но режим Куросавы затрудняет уклонение и парирование. Даже прицеливание из лука становится более сложным, когда все становится серым. Некоторые побочные квесты также полагаются на способность распознавать цвет в окружающей среде, поэтому вам придется выключить режим, чтобы выполнить задачу, что разрушает большую часть магии режима Куросавы.

Я часто отключаю режим Куросавы во время боя и исследования открытого мира … что в конечном итоге является большей частью игры и последовательностей, когда я хочу, чтобы это работало больше всего. Хотя это немного больше, чем фильтр, режим Куросавы часто кажется стилистическим визуальным препятствием, а не уникальным способом по-прежнему играть в игру осмысленным образом.

Нельзя отрицать, насколько круто это выглядит. Sucker Punch Productions / Sony Online Entertainment

Для всех, кто хочет использовать режим Куросавы только в режиме фото, чтобы делать потрясающие фотографии, он идеален.И тот факт, что вы можете включать и выключать его в любое время без загрузки, впечатляет, особенно по сравнению с The Last of Us Part II , где переключение любой из функций доступности игры заставляет вас перезапускаться с последней контрольной точки.

Стоит переключиться в режим Куросавы, чтобы увидеть кульминационные сюжетные ролики, в которых почти всегда есть захватывающая кинематография. Но в остальном режим Куросавы кажется больше неприятностями, чем того стоит. Для заядлых поклонников фильмов Куросавы это может показаться разочарованием, но, тем не менее, мы ценим включение этого режима.

Если Sucker Punch когда-нибудь вернется в мир Ghost of Tsushima , режим Куросавы все равно должен вернуться с ним, несмотря на его немногочисленные недостатки. Улучшенные визуальные индикаторы в бою или полное переосмысление определенных последовательностей для более похожего на Куросаву опыта может действительно сделать его сияющим.

Вся эстетика и красивая графика присутствуют, но геймплей и внутриигровая кинематография могут выиграть от более практического подхода к отдельным частям игры. Это все еще режим, который стоит попробовать хотя бы немного, если вы играете в Ghost of Tsushima , хотя он может оказаться слишком сложным, чтобы продержаться в нем на протяжении всего прохождения.

Призрак Цусимы теперь доступен на PlayStation 4.

Акира Куросава | Киотская премия

Г-н Акира Куросава — всемирно известный кинорежиссер из Японии. На протяжении этих полувека он постоянно представлял шедевры, глубоко влияющие на аудиторию благодаря его пониманию человеческой природы; непоколебимый гуманизм; и мощные, и резкие выражения во всех его произведениях.

Г-н Куросава начал свою карьеру художника, проявив незаурядные таланты.Но позже он решил стать кинорежиссером. Со времени своего первого фильма в 1943 году г-н Куросава усовершенствовал темы, изображающие человеческие персонажи, которые мужественно борются с жизненными невзгодами. Его репрезентативные работы «Икиру» («Жить») и «Семь самураев» выделяются тем, что изображают благородных и волевых персонажей, которые сталкиваются с серьезными проблемами, но решают жить храбро со своим сильным чувством праведности, миссии и смертоносная храбрость. Его «Расомон» стал первым запоминающимся японским фильмом, привлекшим внимание всего мира.Г-н Куросава искал свои материалы по всему миру, включая Шекспира, Достоевского и даже сегодняшние американские телевизионные драмы. Но в каждом случае он переносил их в японскую культурную среду и создавал драмы, раскрывающие сущность человеческой натуры.

Другой отличительной чертой работ г-на Куросавы является их оригинальное выражение. Палящая жара в кустах, показанная в «Расёмон», проливной дождь в сцене битвы в «Семи самураях» — примеры часто жестоких выражений, которые тесно связаны с темой.Его богатый художественный талант художника позволил ему эффективно использовать монтаж и создавать новую эстетическую форму с каждой новой работой, сохраняя стиль «Куросава» в авангарде своего искусства.

Тот факт, что работы г-на Куросавы завоевали множество наград на международных кинофестивалях, свидетельствует о том, что его работы пользуются уважением во всем мире. Более того, мы должны признать, что мощная передача тем и богатство выражений в работах г-на Куросавы стимулировали многих других кинематографистов в мире и сильно повлияли на развитие кинематографии.

Несмотря на то, что его работы содержат такие высокие художественные ценности, главное очарование фильма Куросавы состоит в том, что он никогда не перестает доставлять зрителям удовольствие от просмотра фильмов.

В свои 84 года г-н Куросава все еще находится в авангарде, пылая рвением создавать фильмы, открывающие новые территории. Г-н Куросава находится на вершине кинематографии 20-го века и является наиболее подходящим лауреатом Киотской премии 1994 года в области творческих искусств и нравственных наук.

Юми Куросава и выступление Анубрата Чаттерджи в качестве специального гостя

Дебют Лонгвуда

МИР МУЗЫКИ СЕРИИ

Провидец Кото Юми Куросава объединился со всемирно известным таблаистом Анубратой Чаттерджи для программы, объединяющей музыку и культуру Японии и Индии и раскрывающей глубоко укоренившееся сходство между ними.Куросава и Чаттерджи сочиняют завораживающие музыкальные сказки, укрепляя мощную идею музыки как средства укрепления духа сотрудничества в нашем глобальном сообществе.

Послушайте Юми Куросаву с особым гостем Анубратой Чаттерджи

Подробнее о Юми Куросава

Куросава родилась и выросла в Японии и начала изучать кото в возрасте трех лет. Она получила первую премию на Национальном японском конкурсе Кото для студентов в 1989 и 1992 годах, а также стипендию Агентства по делам культуры Японии в 1998 году.Ее обширные выступления в Японии включали выступления в Suntory Hall в Токио и на телеканале NHK Broadcast TV. Куросава живет в Нью-Йорке с 2002 года и продолжает выступать в местных заведениях Нью-Йорка, таких как Joe’s Pub, Highline Ballroom, Blue Note и Apollo Theater. За рубежом она гастролировала в Канаде, Германии, Малайзии, России и США. Она выпустила три сольных альбома: Four Seasons (Вивальди / Куросава, 2017), Looking At The Sky (2015) и Beginning of a Journey (2009).

Куросава дебютировала в Карнеги-холле с оркестром Лебедя в 2006 году. В 2011 году она была главной солисткой на премьере кото-концерта Дарона Хагена Genji с оркестром Лебедя в Стратфорде-на-Эйвоне, Великобритания, которая была позже выступал, в частности, с Гавайским симфоническим оркестром. В 2013 году Куросава был главным солистом премьеры оперы «Камень памяти » в Хьюстонской Гранд Опера.

В 2015 году состоялась премьера балета Tsuru , для которого она была заказана Хьюстонским балетом и Азиатским обществом Техаса как солистка и композитор.В том же году Куросава сотрудничал с танцорами Бейонсе Les Twins для выступления на объекте всемирного наследия Киёмидзу-дера; выступил на Всемирном экономическом форуме в Даляне, Китай; и был солистом концерта для кото и сякухати Fugaku Такаши Ёсимацу с Токийским симфоническим оркестром на гала-концерте открытия Suntory Hall.

Куросава была отмечена газетой The New York Times за ее изящную музыкальность; «Опираясь на тембральную палитру, которая [колеблется] от теплых и округлых до ярких и металлических.”

Узнайте больше на ее веб-сайте.

Подробнее о Anubrata Chatterjee

Сын всемирно известного маэстро табла, Пандита Аниндо Чаттерджи, Анубрата Чаттерджи воспитывался с очень нежного возраста, чтобы играть на табла. Он дебютировал в качестве аккомпанирующего артиста с легендарным Пандитом Хари Прасадом Чаурасиа и успешно аккомпанировал живым легендам индийской классической музыки, включая Устад Амджад Али Хан, Устад Раис Хан, Пандит Шив Кумар Шарма, Устад Шахид Парвез, Ш.T.H. Викку Винаякрам и другие уважаемые музыканты всего мира. На международном уровне он дебютировал сольным выступлением на BBC World Radio в Великобритании в 1991 году. С тех пор он выступал по всему миру, посетив Великобританию, США, Грецию, Иорданию, Египет, Хорватию, Израиль, Германию, Францию, Шотландию. , Швейцария, Индонезия, Вест-Индия, Сингапур, Малайзия, Оман, Катар, Бангладеш, Япония, ОАЭ и другие.

Анубрата был приглашен выступить на некоторых из самых престижных международных фестивалей, проводимых по всему миру, включая Carnegie Music Hall в Питтсбурге, штат Пенсильвания; Джон Ф.Центр исполнительских искусств Кеннеди в Вашингтоне, округ Колумбия; Театры Эспланада в Сингапуре; Всемирный фестиваль перкуссии в Чикаго, штат Иллинойс; Джераш фестиваль в Иордании; Фестиваль Корфу в Греции; Дубровницкий фестиваль в Хорватии; Фестиваль Индии Намасте в Японии; Музей Райт-Бурга в Цюрихе; и больше. Следуя примеру своего отца, Чаттерджи придает большое значение качественному обучению своих учеников. Он регулярно проводит семинары в Нью-Йорке в школе Аниндо Чаттерджи в Табле. Он также провел множество семинаров в Японии, обучая многих студентов методам повышения квалификации.

Узнайте больше на его сайте.

* Участники Gardens Preferred и Gardens Premium получают доступ к предварительной продаже. Если вы имеете право, вы получили код скидки и код доступа к предварительной продаже по почте или электронной почте от Longwood Gardens.

.