5 японских режиссеров, которых вы должны знать

Японские режиссеры 5, которых вы должны знать

El восточное кино Его всегда отличали отличные показатели. В этой заметке вы найдете пять японских режиссеров которые уже нельзя пропустить:

Акира Куросава (1910-1998)

Режиссер родился в Токио до сих пор референт Что касается азиатского кино.

Он был победителем три Оскар и 1990 это было предоставлено один почетныйРазличие, которого мало кто достигает.

Его дебют был Легенда о великом дзюдоНо среди его фильмографии можно также упомянуть Семь Самураев, Живи o Бешеная собака.

Хаяо Миядзаки (1941)

Этот режиссер — один из фаворитов в анимация, Он является основателем Гибли студия.

Таким образом, он ориентируется в основном на детей, но его работа нравится молодым и старым.

Миядзаки решает проблемы для отражение и воображениес чего он получил три Оскар y один почетный.

Среди его выдающихся названий Мой сосед Тоторо, Унесенные призраками y La Принцесса Мононоке.

Сатоши Кон (1963-2010)

Сильно визуальнорежиссер родился в Японии и ориентирован на аниме он достиг яркая психология в каждом из его персонажей.

Среди его самых выдающихся фильмов Паприка, идеальный синий y Миллениум Актриса.

Йоджиро Такита (1955)

Он также победитель Оскар в 2009 пройти через их участки глубокие и глубокие темы в человеке.

Вот как он снял два очень актуальных фильма: прощаний o Когда последний меч извлечен.

Наоми Кавасе

Из Школа фотографии Осаки отражает в своей работе безупречная деталь и красота в этой области.

Кроме того, одной из его повторяющихся тем является поиск личности.

И некоторые из его фильмов: Кондитерская в Токио, спокойные воды o К свету.

Великие японские режиссеры 1950-80-х гг.

ООО «Инфаной» не является организатором мероприятий, указанных на сайте infanoj.ru, а представляет собой информационный портал о событиях, о которых ООО «Инфаной» стало известно как от самих организаторов, так и из открытых источников — средств массовой информации, сайтов региональных и муниципальных органов власти, третьих лиц.

Команда «Инфаной» просит Вас соблюдать все необходимые меры для профилактики и своевременного выявления вирусных заболеваний. Общая информация и последние рекомендации Министерства здравоохранения Российской Федерации размещены на сайте https://covid19.rosminzdrav.ru

Команда «Инфаной» не уполномочена и физически не может проверять фактическое соблюдение обязательных мер предупреждения распространения новой коронавирусной инфекции, в связи с чем просим каждого посетителя перед тем, как запланировать посещение какого-либо мероприятия, связаться с организатором мероприятия и уточнить информацию по соблюдению обязательных требований. При посещении любого мероприятия строго рекомендуем использовать защитную маску и перчатки. В соответствии с требованиями Минздрава не советуем размещаться ближе чем 1,5 м от других лиц.

Уважаемые организаторы и посетители мероприятий, убедительно просим Вас соблюдать все необходимые меры.

Берегите себя и своих близких. Наше здоровье в наших руках!

Спасибо, понятно

Кино

показ японской ретроспективы

Описание

27 мая
29 мая
1 июня
2 июня
3 июня

16+

27 мая в 17:00 в кинотеатре «Люмьер» состоится открытие фестиваля японской ретроспективы «Великие японские режиссёры 1950-80-х гг.». Мероприятие проходит в рамках фестиваля «Дни Японии в Ульяновске» и Х Международного фестиваля кино- и телепрограмм для семейного просмотра имени Валентины Леонтьевой «От всей души».

В программу фестиваля японской ретроспективы входят показы фильмов известных японских режиссёров прошлого столетия. Все фильмы будут транслироваться на оригинальном (японском) языке с использованием русских субтитров. Данная кинематография была любезно предоставлена посольством Японии.

По словам председателя Ульяновского областного отделения Общероссийской общественной организации общество «Россия — Япония» Игоря Мандрашова, старшее поколение, которое выросло на фильмах известного режиссёра Акиры Куросавы, с удовольствием заново откроет для себя его творчество. Молодёжи тоже будет полезно увидеть эти фильмы, некоторые из которых приравнены к классике мирового кинематографа.

Вход свободный.

Телефон для справок +7 (8422) 46-45-75.

Пламя (1958), 16+

По главному роману Мисимы «Золотой храм» о том, почему простой человек, чтобы обрести себя, должен сжечь храм.

Режиссер: Кон Итикава

Жанр: драма

Длительность: 99 мин. / 01:39

Рай и ад (1963), 16+

Преуспевающий бизнесмен, в решающий момент, должен решить для себя, заплатит ли он выкуп похитителям, которые по ошибке выкрали не его сына, а сынишку человека, работающего у него шофером.

Режиссер: Акира Куросава

Жанр: триллер, драма, криминал, детектив

Длительность: 143 мин. / 02:23

Меч (1964)

60-е годы. Дзиро Кокубу, капитан университетского клуба кэн-до, каждый день и час жизни посвящает оттачиванию своего мастерства в фехтовании. Меч для него — символ веры, чистоты и целеустремленности. Именно из-за его стремления к идеальной «жизни ради клинка» окружающие начинают считать его фетишистом. Измена друзей, предательство женщины, тяжелая атмосфера в вузе приводят Дзиро на край пропасти — и он решает использовать оружие по прямому назначению…

Режиссер: Кэндзи Мисуми

Жанр: драма

Длительность: 94 мин. / 01:34

Мелкий снег (1983)

В начале 2-й Мировой Войны четыре сестры (Цуруко, Сатико, Юкико и Таэко) из знатной семьи Макиока борются за сохранение традиций, хотя времена изменились и знатное имя значит в Японии намного меньше, чем деньги и карьера. Жестокие времена рождают жестокие чувства, но любовь к своей семье, тесная связь между сестрами помогают им преодолеть все невзгоды и добиться счастья.

Режиссер: Кон Итикава

Жанр: драма

Длительность: 140 мин.  / 02:20

Журавль (1988), 16+

Однажды вечером на пороге дома бедняка Тайдзю оказалась красивая гостья. Она назвалась Цуру и сказала, что пришла, чтобы стать его женой. Цуру привела избу в порядок и заботливо ухаживала за свекровью. Увидев ткацкий станок, стала ткать на нём, но при этом попросила, чтобы никто не заглядывал, когда она будет работать. Цуру соткала ткань невиданной красоты. Тайдзю немедленно отправился продавать ткань местному старосте Ханава, даже не заметив, что его жена немного похудела. Благодаря ткани, сотканной Цуру, Тайдзю и его мать стали жить лучше. Но староста потребовал, чтобы Цуру соткала ещё одну красивую ткань. Она отказалась, сказав, что такую ткань можно соткать только один раз в жизни. Но, пожалев Тайдзю, всё же решилась, и на этот раз строго наказав, чтобы во время работы не заглядывали к ней. Утром Тайдзю не утерпел и заглянул…

Режиссер: Кон Итикава

Жанр: фэнтези, история

Длительность: 93 мин. / 01:33

Событие завершено

Организатор или место проведения:

ул. Радищева, 148

Киноафиша: другие анонсы

6+

семейный, комедия

18+

криминал, боевик, триллер

16+

боевик, криминал, триллер

18+

12+

боевик, криминал

2 июня



23 сеанса
в 2 кинотеатрах

Больше событий

Не пропустите

0+

автобусно-пешеходная экскурсия по городу с посещением музея

семейный фестиваль еды и музыки

выставка движущихся восковых фигур

2 июня

10:00–20:00

— Звезда, торговый комплекс

12+

супер летний языковой интенсив для подростков

7 июня



2 события
в 2 местах

подборка режиссёров японской полнометражной мультипликации для начинающих

Сменим тон наших подборок на весьма популярный в узких кругах мультипликационный жанр – аниме. Время самоизоляции, которого вроде бы осталось не так много, идеально подходит для изучения чего-то нового, а японская анимация определённо заслуживает внимания ценителей кинематографа. Представляем список из нескольких режиссёров, с творчества которых рекомендуем начать знакомство с полнометражной японской анимацией (про сериалы-аниме мы поговорим в другой раз).

Что такое аниме? Для чайников поясним, что исконно аниме – это вся японская анимация. Многие причисляют к аниме анимацию из других стран восточно-азиатского региона (главным образом Китая и Южной Кореи). Большая часть аниме ориентирована на подростковую и взрослую аудиторию, а не на детей, что разительно отличает ее от заокеанской и европейской анимации, в которых основная масса продуктов имеет детскую или преимущественно детскую ориентацию. Корнями аниме уходит в японскую мангу – национальный жанр комиксов, имеющих еще более древнюю историю и считающихся одними из самых древних комиксов в мире. Помимо манги основой для аниме может стать ранобэ (более приближенная к обычным литературным новеллам манга), компьютерные игры или же оригинальный сюжет.

Первоначальный базовый стиль анимации японские мультипликаторы позаимствовали еще у довоенных мультфильмов студии «Disney». Основная масса произведений в стиле аниме выходила и выходит в виде телевизионных или видео-сериалов, тогда как на полноценные полнометражки приходится не такой большой процент произведений. В нашей подборке рассмотрены только полнометражные аниме-фильмы и их создатели!

Хаяо Миядзаки

Дедушка Хаяо объективно самый известный творец аниме (режиссер, продюсер, сценарист и писатель), выведший жанр на совсем другие ступени качества и мирового признания за границами Японии.

Родился Хаяо в послевоенной Японии, в семье владельца авиационной фабрики. Его мать была больна туберкулезом спинного мозга, что накладывало свой отпечаток на их образе жизни – они часто переезжали. С детства будущий режиссер увлекался чтением манги (это такие японские комиксы). Он пробовал рисовать мангу сам, стараясь выработать собственный стиль и отточить мастерство рисовки.

Уже в старших классах Хаяо решил стать аниматором. И, хотя в дальнейшем он обучался на факультете политики и экономики, первой ступенью в карьере молодого Миядзаки стала должность фазовщика в одной из японских студий. Там, благодаря таланту, он продвинулся на должность аниматора и познакомился с Исао Такахарой – будущим верным другом и партнером по созданию аниме. После уже вместе они поменяли несколько студий и выпустили ряд совместных проектов, прежде чем Миядзаки снял свой первый успешный (и коммерчески, и художественно) анимационный фильм «Навсикая из Долины ветров».

«Навсикая из долины ветров» (1984), реж. Хаяо Миядзаки

Помимо необычайного сеттинга и весьма оригинальной истории, картина явно пропагандировала бережное отношение к окружающей среде и охрану природы. В 1985 году Миядзаки, Такахата, Токума и Судзуки основывают собственную студию Studio Ghibli, которая сперва покорила внутренний японский рынок («Небесный замок Лапута», «Мой сосед Тоторо», «Могила светлячков», «Ведьмина служба доставки», «Порко Россо»), а спустя десятилетие вышла на мировой рынок («Принцесса Мононокэ», «Унесённые призраками», «Ходячий замок», «Сказания Земноморья» и другие).

«Мой сосед Тоторо» (1988), реж. Хаяо Миядзаки

Чтобы подробно описать даже самые значительные творения Миядзаки, не хватит и дюжины подобных статей. Дабы немного сориентировать читателей, мы порекомендуем начать знакомство с творчеством этого режиссера с одной из следующих лент: «Унесенные призраками», «Ходячий замок», «Принцесса Мононоке» и «Мой сосед Тоторо». Именно в них, на наш взгляд, творческий стиль режиссера наиболее заметен. Миядзаки в одинаковой степени вдохновлялся для своих работ как японскими народными сказаниями, персонажами мифологии и сказок, так и европейскими. Этот крайне необычайный коктейль из двух совершенно разных культур является отражением современной Японии, которая одной ногой прочно стоит в своих исторических традициях, а второй уже вполне успешно шагнула в будущее.

Фэнтезийные миры Миядзаки отличаются высочайшей степенью оригинальности; они целостны и подчиняются собственным законам, не делая скидки в угоду сюжета. Некоторые сцены его картин бывают жестоки и пугающи, что, однако, не делает их непригодными для детского просмотра. Аниме Миядзаки – это погружение в чудесный мир глазами ребенка, увлекательное путешествие в пространство фантазий и подвигов, магии и стимпанка, героев и демонов.

«Унесённые призраками» (2001), реж. Хаяо Миядзаки

Отдельного упоминания заслуживает рисовка и стилизация анимации. Если первые работы студии Ghibli можно упрекнуть в слишком простой, недостаточно детализированной и устаревшей картинке, то последующие картины уже твердо нащупали неповторимый стиль и особенности рисовки.

Если вы решили открыть для себя жанр аниме – начните с Миядзаки. Большинство его работ отлично подойдут и детям, и взрослым (исключая «Ветер крепчает» и «Могила светлячков» – это для более зрелой и устойчивой публики).

Хаяо Миядзаки является обладателем множества престижных кинопремий, в том числе Оскара за лучший анимационный фильм («Унесенные призраками») и почетного Оскара за вклад в киноискусство.

Сатоси Кон

Менее известный и скоропостижно скончавшийся на пике своей карьеры режиссер, тем не менее, внесший весомый вклад и ставший для многих культовым творцом аниме.

Кон родился в середине 60-х годов и с самого детства начал увлекаться мангой, аниме и западными комиксами. Под впечатлением он занялся рисованием. Выучившись на художника, он с 90-го года начал выпускать свои собственные работы на студии Madhouse.

Сатоси Кон за свою недолгую карьеру успел выпустить лишь четыре полнометражных аниме-фильма. «Идеальная грусть» стала визитной карточкой режиссера, чей жанр можно охарактеризовать как психологический драматический триллер. Эта лента, предназначенная совсем не для детской аудитории, отличается реализмом – как в стиле рисовки, так и в происходящих на экране событиях. Это уже не фантасмагорические миры Миядзаки, но тяжелая и гнетущая реальность главной героини (на что намекает даже само название, которое имеет несколько вариантов перевода), которая со стороны кажется яркой оберткой, а на деле оказывается настоящим адом.

«Актриса тысячелетия» уже более изобретательна в построении композиции – экранизируя воспоминания некогда прославленной пожилой актрисы, Кон смешивает ее реальную жизнь и ее роли в кино середины 20-го века. Это смешение реального образа персонажа и ее экранных героев, жизни и вымысла, протекает через всю картину, что придает этому аниме необычайную стройность и неожиданную многослойность. Детям это будет смотреть тяжеловато. «Однажды в Токио» является более простой рождественской притчей, доброй и приятной, но с ощутимым социальным подтекстом.

«Идеальная грусть» (1998), реж. Сатоси Кон

Но главной его картиной мы считаем «Паприку», где на довольно незамысловатый сюжет и стандартный детективный сценарий надета потрясающая психоделически-сюрреалистическая оболочка. Визуальная часть «Паприки» в моментах совмещения мира сновидений и реального мира поистине поражает безграничностью форм и легким безумием происходящего. Это уже полноценное совмещение реализма и мира грез спящего сознания в крайне красочной форме показывает, какими могут быть сны наяву.

Ни одно из аниме Сатоси Кона нельзя порекомендовать для детей. Подросткам – да, но дети не оценят реализма, а некоторые сцены могут их немного шокировать. Зато серьезные взрослые, которым по каким-либо причинам не зашла сказочность работ Миядзаки, могут вполне принять работы Кона, которые по сути являются авторскими артхаусными лентами от мира аниме.

«Паприка» (2006), реж. Сатоси Кон

В возрасте 46 лет Сатоси Кон скончался от рака поджелудочной железы, что для миллионов фанатов этого режиссера стало трагедией. Перед смертью Кон работал над амбициозным аниме-проектом под названием «Машина сновидений», что, должно быть, обещало развитие художественных тенденций, опробованных режиссером в «Паприке». ..

Макото Синкай

Этот создатель аниме из нового поколения, чья работа «Твоё имя» стала самым кассовым аниме за всю историю.

Родился Синкай в 1973 году в Нагано, но для учёбы перебрался в Токио. После обучения устроился на работу в студию Minori, где первые годы занимался разноплановой работой. Дальше Синкаю доверили работу над короткометражками и 3D анимацией для компьютерных игр, которые стали пользоваться успехом. С началом «нулевых» Макото сосредотачивается на собственных проектах и выпускает первое полнометражное аниме — научно-фантастическую мелодраму «За облаками». Спустя несколько лет выходит его вторая полноценная лента «Пять сантиметров в секунду», рассказывающая о любви двух подростков, разделенных расстоянием. Уже в ней ощущается невероятная трогательность, легкость и лиричность работ Синкая, упор на которые он сделает в последующем. Тема расставания, отдаленности и любовных переживаний основательно заняли центральное место в творчестве Синкая, под тем или иным ракурсом передаваясь во всех его последующих работах. В 2011 году он выпускает в прокат новое аниме — «Ловцы забытых голосов». В отличие от «Пяти сантиметров в секунду» это уже не реалистичная драма, но приключенческое фэнтези. Правда, от накала трагизма и давления на эмоции в финале Синкай не отказался, что, на самом деле, только скрасило эту его работу и уже стало неофициальной визитной карточкой режиссера.

«Сад изящных слов» увидел свет в 2013 году. В этой работе режиссер вновь возвращается в рамки привычной реальности, где рассказывает практически камерную, крайне трогательную, нежную, но в то же время тяжелую историю любви старшеклассника и взрослой девушки. Здесь лирический посыл аккуратно затрагивает базовые принципы социальной иерархии и все еще сохранившиеся строгости и предубеждений традиционного японского общества.

«Твоё имя» появилось в 2016 году и сразу стало хитом, побив все рекорды по кассовым сборам в стране и мире. Фантастическая история об обмене телами между двумя подростками, перемещение сознания во времени и пространстве, а также нависшая смертельная опасность делают сюжет этой картины весьма самобытным, хоть и не оригинальным в основных своих составляющих. Подростки и взрослые тепло приняли эту историю, которая, возможно, и не является самым выразительным фильмом Синкая, но определенно наиболее полноценным и увлекательным. Помимо романтических и любовных переживаний фильм имеет неплохой научно-фантастический стержень, который двигает приключенческую линию. Как и в предыдущем аниме, здесь отдана должная честь японским традициям, которые в городах понемногу утрачивают вес, но в деревнях и селах процветают по сей день.

«Твоё имя» (2016), реж. Макото Синкай

«Дитя погоды» (2019), реж. Макото Синкай

Последний на 2020 год фильм режиссера «Дитя погоды» вновь знакомит зрителей с историей дружбы двух подростков, которая развивается параллельно мистической составляющей и социально-реалистичного подтекста о трудностях рабочих низов в Токио. Естественно, без любовной линии подростков не обошлось – это лейтмотив всего творчества Синкая. При всем этом, картина явно свидетельствует о весьма своеобразной любви режиссера к Токио.

Пытаясь нащупать собственный путь, Синкай решил сделать упор на реализме, и в первую очередь но реализме картинки. Но реализм в его интерпретации делает акцент на светлых сторонах окружающего мира, что дарит зрителям непередаваемо красивые «задники» (фон в аниме, который, как правило, рисовался без тщательной детализации и прорисовки, и одним из первых, кто обратил на них внимание был Миядзаки).

Макото Синкай как никто другой из этого списка хорошо подойдет подросткам – романтичным, переживающим трудности первой любви, страдающим и ослепленным переполняющим фонтаном эмоций. Но и взрослые не смогут не проникнуться тем очарованием, необычайной чувственностью, красотой повседневности и натуральности живых эмоций, что таят в себе работы этого режиссера.

Мамору Хосода

Родился будущий режиссер и сценарист в 1967 году, и уже с юных лет его увлекла мультипликация. Еще дома он пробовал снимать свои собственные мультфильмы. Окончив колледж искусств, пытался поступить на курсы в Studio Ghibli (вотчину тогда уже матерого Миядзаки), но не смог пройти по конкурсу. Поэтому устроился на работу аниматором в студию Toei Animation, где участвовал в создании известных и не очень аниме-сериалов и полнометражных лент. В начале нулевых к Хосоде пришел первый успех, позволивший создать собственную авторскую короткометражку. В 2006 году Хосода выпустил свой первый и лучший на данный момент полнометражный аниме-фильм — «Девочка, покорившая время», основанный на одноименной манге.

«Мирай из будущего» (2018), реж. Мамору Хосода

Эта лента рассказывает о девочке, которая по случайному стечению обстоятельств обнаружила прибор, с помощью которого можно перемещаться во времени и изменять свое прошлое. Она не сразу смогла понять, что, изменяя свое прошлое в лучшую сторону, будущее окружающих ее друзей изменяется в худшую. Редкий фильм про путешествие во времени обходится без логических дыр и парадоксов, но здесь Хосода поднимая не новую тему, придает ей особую тональность. Морально-нравственные посылы, складный сюжет и хорошо проработанные образы главных героев позволили этому аниме стать успешным даже несмотря на рамки ограниченного проката внутри страны.

Спустя три года на волне успеха Мамору выпускает сразу две картины – «Летние войны» и «Волчьи дети Амэ и Юки». И если первая картина была довольно оптимистичным, приключенческим научно-фантастическим аниме, то вторая разительно отличалась по настрою в сторону трагизма и фэнтезийного реализма. Спустя пять лет в 2015 году в прокат вышла очередная работа режиссера – «Дитя чудовища», лентой масштабной и весьма амбициозной. Действие картины развивается параллельно в человеческом и сверхъестественном мире, населенным антропоморфными зверьми. Живут они в нем примерно как люди несколько столетий назад, только с магией. Главный герой – парень, потерявший мать, попадает в тот мир и набивается в ученики к мастеру боевых искусств с крайне скверным характером. Здесь Хосода вновь пытается исследовать внутрисемейные отношения детей и взрослых, попутно рассказывая достаточно динамичную и увлекательную историю.

В 2018 году вышло последнее на данный момент аниме этого режиссера – «Мирай из будущего». Действие ленты происходит в далеком будущем, а в центре сюжета вновь оказываются семейные отношения, на этот раз брата и сестры.

«Девочка, покорившая время» (2006), реж. Мамору Хосода

Аниме Мамору Хосоды вполне подойдут и детям, и взрослым. Он мастерски сочетает в своих работах развлекательное и поучительное, драматизм и юмор, непосредственность и самобытность. Стиль его картин мало чем отличается от коллег по цеху, не имея ярко выраженных черт (как, например, у того же Синкая). Но аниме этого режиссера обладают своей тонкой непередаваемой атмосферой, которая намекает на то, что для Хосоды содержание его работ превалирует над формой. Тема семьи и взаимоотношений ее членов является основным элементом в нарративной составляющей всех работ Хосоды. Эта тематика никогда не устареет. Исследуя различные ситуации и примеры, режиссер сплетает в свои работы некоторые автобиографические штрихи. Именно смысловые акценты делают аниме Мамору Хосоды оригинальными на фоне его коллег по цеху.

Мамору Осии

Мамору Осии родился в 1951 году и стал младшим среди трех братьев семейства. В школе он серьезно увлекался научной фантастикой и планировал в будущем стать писателем-фантастом. В старших классах Мамору был бунтарем — участвовал в демонстрациях и протестных акциях, что наложило отпечаток на все его творчество. В 1977 году – через год после окончания Токийского университета, Осии устроился на работу в анимационную студию Tatsunoko Production, где состоялся его первый режиссерский дебют. Но полноценная независимая режиссерская работа вышла только в 1985 году. После он принял участие в постановке двух полнометражных аниме – «Полиция будущего» и «Полиция будущего: Восстание». Следствием их успеха стало его назначение на должность режиссера в анимационную адаптацию популярной манги «Призрак в доспехах». Сюжет расскажет о мире недалекого будущего, где вовсю практикуется операция по переносу сознания человека в человекоподобное роботизированное тело. Главная героиня аниме — офицер полиции под кодовым прозвищем Майор. Она работает в отряде, расследующем кибер-преступления. Они выходят на след хакера, который называет себя Кукловод. Это изобретательный и хитрый преступник оказывается не совсем тем, за кого себя выдавал, а его истинные цели поражают воображение.

Именно это произведение стало одним из самых известных аниме не только в Японии, но и за ее пределами. Невероятная популярность на Западе была обусловлена высоким качеством как исполнения, так и всего сюжета аниме, который под оболочкой нуарного фантастического детектива с несколькими отличными боевыми сценами прячет целый пласт постмодернистской философии, пропитанной трансгрессией. Последняя присуща многим фантастическим аниме, но свою крайнюю выразительность обретает именно в «Призраке в доспехах». Изящное и стильное аниме в одночасье становится хитом и обзаводится аниме-сериалом и полнометражным сиквелом, который поставил тоже Мамору Осии. Немного сбавив в философских посылах, аниме все еще сохраняло неонуарную атмосферу, а также обзавелось новыми визуальными стилистическим особенностями. И уж точно не опорочило честь оригинала.

В 2016 году Голливуд снял свою киноадаптацию «Призрака в доспехах», которая уступала оригиналу по всем фронтам, кроме, возможно, спецэффектов. Смотреть ее мы не рекомендуем!

«Призрак в доспехах» (1995), реж. Мамору Осии

Кацухиро Отомо

Путь Кацухиро Отомо в аниме был гораздо дольше и тернистее, чем у вышеприведенных персон. Родился Отомо в 1954 году, и с раннего детства начал увлекаться мангой и научной-фантастикой. В 1973 году он переехал в Токио, где не смог поступить на курсы художника, и стал продавать комиксы. Он не бросил свои попытки создания манги для небольших местных журналов, и в том же 1973 году его работу опубликовал журнал Action. Следующее десятилетие он продолжал выпускать манги, пока в 1982 году не создал «Акиру». Манга возымела серьезный успех среди читателей, но только спустя несколько лет Отомо предложили стать режиссером адаптированной в виде аниме версии его манги. Изначально он не планировал перенос своего произведения на большой экран, но подобная возможность выпадает не часто. И в 1988 году свет увидело одно из самых влиятельных и культовых полнометражных аниме – «Акира».

Действие ленты происходит в городе Нью-Токио, построенном на развалинах старого Токио, почти полностью разрушенного в огне ядерной войны. В центре истории два старшеклассника – лидер уличной банды байкеров Канеда и Тэцуо, который всегда находился под защитой и опекой Канеды. На улицах Нью-Токио царит атмосфера народного недовольства и разгула преступности. Во время одного из байкерских рейдов Тэцуо сталкивается со странным ребенком, после чего его забирают работники силовых структур. С этого момента в Тэцуо просыпаются паранормальные телекинетические способности.

Кто-то спросит, при чем здесь Акира и кто это такой, но лучше не читайте длинные синопсисы или спойлеры, а посмотрите это великолепное аниме, ставшее классикой в жанре киберпанк. Картина вскрывает проблемы взросления, трудных подростков, но делает это тонко и скрыто, через визуальное, а не вербальное повествование. Для отстраненного зрителя фильм покажется обычным фантастическим боевиком, но даже с этого поверхностного ракурса, здесь есть на что посмотреть. Картина впечатляет размахом действия, брутальностью и накалом событий. Примесь сверхъестественного только добавляет интереса и многогранности.

«Акира» (1988), реж. Кацухиро Отомо

О посылах, скрытых подтекстах и смыслах «Акиры» можно расписывать еще долго, но не будем останавливаться. В техническом плане «Акира» в 1988 году произвел локальную революцию – стилистика и приемы рисовки задали планку качества на десятилетия вперед. Даже в сравнении с современными аниме «Акира» не выглядит устаревшим. Титанический труд художников-аниматоров виден практически в каждой детали. Подчеркивает картину самобытный саундтрек, одновременно футуристический и отдающий честь народным японским инструментам. Автор этой статьи начал знакомство с аниме в далеком прошлом именно с этой картины, которую до сих пор считает одной из самых лучших в жанре.

Кацухиро Отомо выпустил еще несколько неплохих полнометражных аниме, но до успеха и великолепия «Акиры» им всем уже было далеко.

Это не список из шестерки лучших (здесь у каждого будет своё мнение), но подборка наиболее выдающихся на наш взгляд творцов в жанре аниме. Каждый из них оригинален, некоторые больше, некоторые меньше. Одни старались снимать свои работы для широкой публики, другие больше думали о самовыражении, сильно сужая потенциальный круг зрителей. Именно с них лучше всего открыть для себя этот диковинный мир. Хотя, если разобраться, то можно найти еще не мало талантливых и выдающихся творцов. Об аниме-сериалах мы, возможно, составим отдельный рейтинг, если данный ТОП соберет достаточно просмотров.

Будьте здоровы!

Знаменитый японский режиссер скончался после «Тысячелетнего восторга» :: Общество :: РБК

Культурная общественность Японии скорбит по известному режиссеру Страны восходящего солнца Кодзи Вакамацу. Накануне, 17 октября, около 23:05 по местному времени, он скончался в одной из клиник Токио, не выходя и комы. Ему было 76 лет. Причиной смерти мастера стал наезд такси почти неделю назад.

В 2012г. его признали азиатским режиссером года «за дух независимого фильма мятежного автора и его бесконечную страсть к кинематографу». Впрочем, сам автор не раз отмечал, что его работы недооценены в Японии.

«Я независимый режиссер, и это противоречит японской системе кинематографа. Но надо снимать фильмы, которые идут из вашего сердца, а не то, что хотят другие люди», — цитирует К.Вакамацу The Japan Daily Press.

Его карьера началась со съемок порно, а закончилась признанием в независимом кино. Он увлекся арт-хаусом и снял несколько малобюджетных картин политической направленности. Наиболее известные его работы – «Объединенная Красная Армия», «Мисима: финальная битва», «Гусеница».

В своем предпоследнем — ставшем скандальным — фильме «Мисима: Финальная глава» режиссер исследует последние годы жизни Юкио Мисима — великого японского писателя, покончившего с собой в 70-х гг. и оставившего после себя крайне противоречивые произведения.

Последней работой Кодзи Вакамацу стал фильм Sennen ne Yuraku («Тысячелетний восторг»), который режиссер показал в этом году в программе «Горизонты» на Венецианском кинофестивале.

«Жизнь состоит из полутонов» – Огонек № 49 (5644) от 14.12.2020

8 декабря на Международном кинофестивале в Макао режиссеру Хирокадзу Корээде вручили премию Spirit of Cinema — за творческие заслуги в киноискусстве. О том, как сложно быть японским режиссером и при этом оставаться человеком мира,— в эксклюзивном интервью «Огоньку».

Беседовала Татьяна Розенштайн

Мировая слава к японскому режиссеру Хирокадзу Корээде пришла после выхода фильма «Магазинные воришки» («Золотая пальмовая ветвь» Каннского кинофестиваля) — о семье мошенников, которая, собственно, и семьей в буквальном смысле не является; парадокс, однако, в том, что друг к другу они относятся с большей теплотой, чем в иных нормальных семьях. Институт семьи и современность — это можно назвать, выражаясь солженицынским языком, одним из «узлов» творчества Корээды. В этом году в российский прокат вышла «Правда» — первый фильм, снятый Корээдой за пределами родины. В центре повествования — отношения стареющей кинозвезды со взрослой дочерью и внучкой. Картину снимали во Франции с участием французских (Катрин Денёв, Жюльетт Бинош) и американских (Итан Хоук) актеров, на французском и английском языках.

— В этом году вышел ваш первый фильм, снятый за рубежом,— «Правда»; почему для международного дебюта вы выбрали именно Францию? Тоже не устояли перед французским шармом и соответствующими штампами?

— Поскольку единственный язык, которым я владею,— это японский, для меня не играло большой роли, в какой стране состоится мой международный дебют. Подошла бы любая. Но выбрал я именно Францию, потому что там есть много людей, которые поддерживают меня. Франсуа Озон всегда советовал мне снять фильм во Франции, а Жюльетт Бинош даже проявила инициативу. Она разыскала меня в Японии, где мы провели целый день вместе, гуляя по Киото и обсуждая наш будущий проект. Так возникла идея «Правды». Вернее, сама идея проекта возникла гораздо раньше. В 2003 году была запланирована аналогичная театральная постановка в Японии. По сценарию речь в ней шла о пожилой актрисе, своего рода легенде японского кино, и при этом в человеческом смысле почти отвратительной личности. В частности, она все время сквернословила и ругала других людей на чем свет стоит. В Японии мне бы не удалось, однако, снять подобный фильм. Хотя бы потому, что на настоящий момент у нас нет такой всемирно известной японской актрисы, которая олицетворяла бы собой все искусство. А вот во Франции была и есть Катрин Денёв, я ею давно восхищался.

— Считаете, у Картин Денёв хорошо получается сквернословить?. . Каково было работать с ней на съемках? С какими трудностями пришлось столкнуться?

— Катрин Денёв в жизни — полная противоположность тому образу, который нужно было воплотить на экране. Она никогда не вмешивалась в процесс съемок. Единственное, о чем она меня попросила, чтобы ее героиня была актрисой, слава к которой пришла в 1950-е годы. В одном из интервью японской газете Катрин сказала, что ей нравилось смотреть мои фильмы еще до того, как мы начали снимать «Правду». Благодаря этому она прекрасно понимала мой образ мыслей. Во время съемок ее никогда не интересовало, как она смотрится в кадре, ей никогда не хотелось их пересматривать. Однако она хотела знать, как идет процесс съемок в целом. Например, она просила показать сцены, в которых она не участвовала. Поэтому, когда фильм был готов на одну треть, я отправил ей материал. Словом, у Денёв нет ничего от кинодивы.

Она не считает, что мир вращается вокруг нее. У нее очень четкая установка на то, что кино — коллективный процесс и удача фильма зависит от работы всего коллектива. У меня самого произошло много казусов при съемках. Для съемок во Франции мне пришлось полностью переписать сценарий. В японском языке мы не употребляем личных местоимений, в предложениях отсутствует объект… Японский язык минималистичен. И потом, отношения между людьми в Японии сильно отличаются от тех, к каким привыкли во Франции. В Японии люди стараются избегать прямой эмоциональной конфронтации. Возьмем, к примеру, сцену, когда пьяный муж поздно возвращается домой. В Японии эту сцену снимут совершенно не так, как у вас или в Европе. У нас либо жена будет притворяться спящей, когда слышит шаги входящего мужа, либо муж останется ночевать в гостиной на диване, даже не пытаясь проникнуть в спальню, чтобы не быть вовлеченным в спор. Когда я наблюдал во французских фильмах за ругающимися супругами, мне часто казалось, что они после этого уже никогда не будут друг с другом разговаривать. А те как ни в чем не бывало наутро вступали в разговор. Поэтому те сцены в «Правде», где мать и дочь выясняют между собой отношения, я оставил на произвол самих актеров и старался не вмешиваться в их игру.

— Прежде чем снять первый художественный фильм, вы довольно долго работали в документальном кино. Каким вспоминается вам сегодня ваш дебют?

— Когда в 1995 году вышел мой «Призрачный свет», мне уже было тридцать с небольшим. Я действительно создал несколько документальных картин, но главным своим занятием считал работу на телевидении. Конечно, мне хотелось снимать художественные фильмы, но для этого не было возможностей. Уже тогда было сложно стать режиссером художественного кино, мне долго пришлось ждать своего шанса. В тот момент в ящике моего стола уже хранились два готовых сценария. Шанс возник неожиданно. Продюсер, с которым я работал на телевидении, предложил снять фильм на тему, похожую на мои телевизионные серии. Сценарий был не мой. Это было крайне неудобно, но пришлось пойти на уступки, чтобы не упустить свой шанс. Сегодня мне стыдно вспоминать эти съемки. Я был наивным и неопытным. Мне очень повезло, что в японской киноиндустрии работают высококвалифицированные операторы, арт-директоры и осветители. Все эти люди из кожи лезли вон, чтобы мой дебют удался. Даже не помню, давал ли я им тогда какие-либо инструкции — для этого у меня было недостаточно квалификации. Сегодня, когда пересматриваю свой первый фильм, мне нравится в нем все, кроме моей режиссерской работы.

— Вероятно, тогда же вы решили, что будете впредь снимать фильмы только по собственным сценариям. Как вы их пишете, сколько времени это обычно занимает?

— Обычно у меня в запасе всегда имеется три-четыре готовых сценария. Это помогает сохранять душевное равновесие. Иногда бывают ситуации, когда сценарий завершен, но ему просто не везет и приходится от него отказываться. Обычно процесс создания фильма — от написания сценария до монтажа — занимает у меня около пяти лет. Только «Магазинных воришек» удалось завершить за два года. Часто я работаю спонтанно. Что-то в процессе съемок — сюжет, настроение, световой эффект — вдруг поражает мое воображение! И тогда мне срочно хочется внести этот элемент в фильм. Когда же сценарий написан другим человеком, каждую деталь приходится сверять с автором. Мне больше по душе самому контролировать работу, а для этого лучше писать сценарии самостоятельно. Идеи моих картин происходят из моих собственных опыта и жизни. Например, когда я работал над фильмом «Каков отец, таков и сын», то готовился впервые стать отцом. Я испытывал при этом огромную неуверенность в себе, доходящую до паранойи. Мне казалось, что должно случиться что-то непредвиденное, поэтому в сюжете картины есть тема подмены детей. А вот сценарий картины «Пешком-пешком» я писал в тот момент, когда умерла моя мать. Продюсерская фирма, с которой я работал тогда, посмотрела фильм и сказала, что зрителям на Западе мой фильм будет непонятен. Его не хотели посылать на международные кинофестивали. Однако после премьеры несколько зрителей подошли ко мне с заплаканными глазами, и один из них спросил: «Как вы узнали историю моей матери?» Я был удивлен: мой собственный опыт оказался настолько понятен посторонним людям!.. Это придало уверенности — некоторые важные для меня темы могут быть интересны и другим.

— Кинокритики часто сравнивают ваши фильмы с работами классика японской и мировой режиссуры Ясудзиро Одзу. Может быть, потому что во главе угла в ваших картинах — тема семьи, существование и выживание самого института семьи в XXI веке? Насколько вообще справедливо рассматривать ваше творчество в контексте японского искусства?

— Темы, которые выбираю для картин, я обычно ищу в своем окружении. Они не имеют никакого отношения к другим японским режиссерам, я также никогда специально не думал о том, насколько они будут понятны за рубежом.

Правда, должен вам признаться — мне никогда и не хотелось, чтобы мои работы за границей воспринимались как, знаете, «специфическая японская штучка», «японская экзотика».

Однако, как ни старайся, все равно в итоге за рубежом на тебе клеймо «японский режиссер» и «последователь Одзу» (смеется). Пусть даже я — признаюсь вам еще раз — едва понимал работы Одзу, никогда не шел по его стопам и ни в коем случае не рассчитывал стать его «преемником». Я вообще, по правде говоря, не очень ощущаю свою связь с японским кинематографом. Со студенческих времен моими кумирами были Теодорос Ангелопулос, Виктор Эрисе и Хоу Сяосянь. Даже если говорить о японцах, мне кажется, мои работы имеют больше сходства со стилем Микио Нарусэ, чем с Одзу. Но все полученные отзывы на мои картины неизменно связывают меня с Одзу. Конечно, я воспринимаю такое сравнение как комплимент — пусть даже это и неправда. Ясудзиро Одзу, Кэндзи Мидзогути, Микио Нарусэ, Акира Куросава — в истории японского кино имеется много известных режиссеров, но мне не хочется делить с ними их успех только лишь потому, что я тоже японец. Да, я из Японии, но это не значит, что я автоматически создаю японское искусство. В искусстве следует искать «нелинейные» связи. В эпоху постмодерна мы не должны ограничивать искусство лишь местом его происхождения. Его национальным фоном, если хотите. Опять же, я никогда не понимал, почему зрители искали в моих картинах философию «дзен», в то время как все они касались исключительно современности. Меня это очень раздражало, поэтому уже из второго своего фильма «После жизни» (1998) я постарался убрать все «японские элементы». Тогда мне было 30, и во мне кипел дух мятежника!..

— Допустим, вы не хотите, чтобы ваши картины носили «японский характер». А что насчет «азиатского духа»? Возьмем, например, ваших «Магазинных воришек» и «Паразитов» Пон Чун Хо. Обе картины тонко сочетают комедийный жанр и трагедию, ностальгическую грусть и восточную философию, со свойственной ей сдержанностью и отстраненностью…

— Знаете, вот мой контраргумент: когда я смотрю, например, картины Педро Альмодовара, в них тоже много «полутеней», имеется смешение трагедии и комедии, а также достаточно ностальгии… Мне нравится искать юмор в трагедиях. Ведь это и есть сама жизнь. Жизнь не состоит либо из одного, либо из другого. Она состоит из полутонов. В кино непросто показать полутона, потому что кинематографическое течение времени отличается от реального, наши будни не всегда сопровождаются музыкой, хорошо и качественно подобранным освещением. Да и сама жизнь, согласитесь, не состоит только лишь из ключевых, кульминационных событий.

— Вы говорите, что в 30 лет были мятежником. А как с этим дело обстоит сейчас? Вы уже не бунтуете?

— Думаю, с тех пор мои взгляды изменились. Когда в 2008 году я снимал «Пешком-пешком», меня интересовала позиция сына и мне хотелось показать его отношение к родителям. Восемь лет спустя в фильме «После бури» (2016) меня уже больше волновала точка зрения отца. С возрастом у меня поменялся взгляд на семейные отношения. Неизменным осталось лишь желание снимать картины про человеческие драмы, а не политические триллеры или социальную сатиру. Правда, «Магазинных воришек» сравнивали с картинами Кена Лоуча, однако в отличие от его работ я не представляю в фильме, что называется, «логику государства», работу государственных учреждений, бюрократию… Меня, честно говоря, не интересует, как относится государство к семейной структуре. Если я и собираюсь в чем-то обвинить людей, то моя позиция такова, как у вашего Достоевского, кстати: в ужасной ситуации виноваты мы все, а не конкретное учреждение или человек у власти. Наверное, поэтому «Магазинные воришки» никогда не подвергались критике со стороны японского правительства, хотя фильм и не понравился тем, кто не желал видеть и признавать описанную в нем реальность. Азиатское общество очень консервативно. Такие понятия, как «адаптация» брошенных родителями детей, ему глубоко чужды, их всегда подвергали осуждению.

Традиционная семья по-прежнему высоко ценится в Японии; однако тот факт, что в крупных японских городах подавляющее большинство людей живут одиноко, показывает — действительность сегодня выглядит совсем иначе. Наше общество также начинает меняться, пусть и очень медленно.

Мне кажется, что понятие семьи, основанное лишь на кровном родстве, давно устарело. Эту тему я начал изучать в своей картине «Каков отец, таков и сын» (2013) и продолжил в «Магазинных воришках», пытаясь показать, что нечто большее определяет семейные узы, нежели кровные связи. Рано или поздно нашему обществу придется поощрять другие формы отношений и сосуществования людей. Что касается изменений в моем режиссерском стиле, думаю, с опытом я стал… быстрее работать. Например, сейчас, когда снимаю фильм, то одновременно его и монтирую. Я также сузил круг своих интересов: теперь меня интересуют две-три темы из того огромного списка, который был интересен в годы моей молодости.

— Что происходит сейчас с японской киноиндустрией, что бы вы посоветовали молодому поколению кинематографистов?

— Наверное, вы правы: я уже в том возрасте, когда нужно думать о передаче опыта другим. И в первую очередь это должны быть не благие пожелания на словах, а создание хорошей атмосферы для съемок. Но мне кажется, что я и сам еще не достиг полной зрелости, чтобы учить других. Мне все еще хочется многому научиться у других. Сейчас в японской киноиндустрии наметилась опасная тенденция: японское кино уходит внутрь себя, отгораживается от других. Все меньше молодых режиссеров уезжают учиться за рубеж. Чтобы остановить это закукливание, мне приходится заниматься собственным экспортом — работать за пределами родины. И тем самым служить примером молодым.

— Год 2020-й близится к концу, и многим он запомнится именно как «ужасный». Каким он для вас оказался?

— Тут я не особенно оригинален. В этом году мне тоже пришлось отменить свои поездки, и большая часть мероприятий проходила в Сети. Однако было одно событие, на которое я не мог не приехать лично. В конце ноября в Тайбэе прошла церемония вручения кинопремий. Одним из призеров был кинорежиссер Хоу Сяосянь (тайваньский кинорежиссер, крупнейший представитель новой волны тайваньского кино.— «О»). Даже несмотря на то, что мне пришлось провести 14 дней в карантине по приезде на Тайвань, а затем 14 дней на самоизоляции по возращении в Японию, поездка стоила того. Именно Хоу Сяосянь вдохновил меня на то, чтобы стать режиссером. В начале моей творческой карьеры он познакомил меня с замечательными людьми, в частности представил своему музыкальному продюсеру. Именно по его совету я впервые отправил свою картину на международный кинофестиваль. Другим важным событием этого года стало открытие потоковых мультимедиа. Конечно, как режиссер я предпочитаю видеть свои картины на большом экране, и меня волнует нынешняя ситуация, когда большому количеству кинотеатров приходится закрываться. Может быть, жителям Токио это не так заметно, но для небольших городов, где имелось всего один-два кинозала, их закрытие ничего хорошего не сулит. В таких ситуациях очень помогает интернет-стриминг, он дает возможность смотреть фильмы даже в тех регионах, где вовсе нет кинотеатров. Кроме того, для небольших киноиндустрий, таких как японская, это замечательная возможность расширить свое присутствие за рубежом. В этом году я также открыл для себя корейское кино, в частности южнокорейскую даму-режиссера Ким Бо-ра.

А в следующем году приступаю к съемкам корейского фильма. Как всегда, все началось с актеров. С Сон Кан Хо знаком уже давно, и был рад его успеху в «Паразитах». В 2009 году я работал с корейской актрисой Пэ Ду-На и надеялся снимать ее вновь. Думаю, что и на корейском материале смогу снять трогательный и эмоциональный фильм и преодолеть культурные барьеры. В конце концов, уметь это и означает сегодня быть настоящим режиссером.

Такеши Китано снимет последний фильм по собственному роману

https://ria.ru/20210211/kitano-1596881230.html

Такеши Китано снимет последний фильм по собственному роману

Такеши Китано снимет последний фильм по собственному роману — РИА Новости, 11.02.2021

Такеши Китано снимет последний фильм по собственному роману

Всемирно известный японский режиссер Такеши Китано («Куклы», «Брат якудзы», «Затойчи») снимет фильм «Kubi» («Шея»), который может стать его последней… РИА Новости, 11.02.2021

2021-02-11T05:37

2021-02-11T05:37

2021-02-11T05:37

культура

кино и сериалы

новости культуры

такеши китано

акира куросава

киото (город)

япония

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdn22.img.ria.ru/images/07e5/02/0a/1596859030_0:158:3072:1886_1920x0_80_0_0_4eca51b2a2874a752a099eb21fcba7b6.jpg

МОСКВА, 11 фев – РИА Новости. Всемирно известный японский режиссер Такеши Китано («Куклы», «Брат якудзы», «Затойчи») снимет фильм «Kubi» («Шея»), который может стать его последней киноработой, сообщает Variety.В основе ленты одноименный исторический роман, который режиссер (сейчас ему 74 года) написал в 2019 году. В нем он разбирает одну из трактовок политического убийства в храме Киото в 1582 году. Съемки предположительно начнутся в мае 2021 года.Источником вдохновения для «Шеи» послужила в том числе и классика японского кино – фильм «Семь самураев» Акиро Куросавы, снятый в 1954 году.Предыдущую картину в качестве режиссера Китано снял в 2017 году. «Outrage Coda» («Последний беспредел») собрал в японском прокате 15 миллионов долларов. Самая успешная его лента — самурайский боевик «Затойчи» (2003) о слепом страннике, который зарабатывает на жизнь массажем и игрой в кости, а на деле оказывается мастером боевых искусств кэндзюцу и иайдо, — заработала 27 миллионов долларов в 2003 году.

https://ria.ru/20170118/1485894742.html

киото (город)

япония

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2021

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

https://cdn24.img.ria.ru/images/07e5/02/0a/1596859030_52:0:2783:2048_1920x0_80_0_0_c781d5502b6e1a1bc8d3adfeab705924.jpg

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

кино и сериалы, новости культуры, такеши китано, акира куросава, киото (город), япония

10 старых японских фильмов, похожих на советские фильмы

Голубые горы (Aoi sanmyaku)

Год: 1949

Режиссер: Тадаси Имаи

Из-за трудностей перевода название «Голубые горы» не очень понятно русскому кинозрителю. «Aoi», что означает синий, в Японии также относится к недозрелым фруктам, и частенько используется в значении «зеленый», потому название скорее несет намек на «новое время» и обновление после войны.

Сюжет крутится вокруг преподавательницы, которая всеми силами борется против устарелых патриархальных идей внутри своей школы. Главные герои представляют собой сильных, независимых персонажей, готовых бороться за новое время и новую жизнь. Самая главная схожесть с советским кино – подчеркнутая борьба против несправедливости, где угнетенные объединяются вместе в стремлениях к более светлому будущему.

Девочки в галстуках, классовое неравенство, школьное лето, а, главное, счастливый конец – все это знакомо советскому зрителю.

Мой соловей (Watashi no uguisu)

Год: 1943

Режиссер: Ясудзиро Симадзу

Фильм сняли на русском языке, ориентируясь на русских эмигрантов. Главную роль исполняет Есико Ямагути, более известная под псевдонимом Ли Сяньлань – фигура довольно интересная в рамках японской киноиндустрии. Главной ее специализацией были роли иностранок.

В этой кинокартине она играет Марико, дочь коммерсанта, которую берут под свое крыло русские эмигранты. Японцы известны своими предпочтениями к подбору актеров исключительно среди своих соотечественников, но в этом фильме большая часть главных ролей была отдана русским актерам, при режиссуре и постановке японцев.

Песня Есико Ямагути на русском языке дала название всему фильму, и очень напоминает советскую стилистику времен Второй Мировой войны.

Без сожалений о нашей юности (Waga seishun ni kuinashi)

Год: 1946

Режиссер: Акира Куросава

Для любителей японского кино имя Акиры Куросавы в режиссуре уже является достаточной рекомендацией для просмотра. Признанный гением французской «Новой волной», идеологически Куросава также был очень близок к послевоенным воззрениям потрепанной Европы – «мы движемся в сторону более светлого будущего». Кроме этого, в середине 1940-ых в Японии снова начал набирать популярность марксизм, потому фильм затрагивает все те темы, которые любили в киноиндустрии СССР.

Один из главных героев, Рюкичи Ногэ, бросает учебу в университете и посвящает себя борьбе левого движения. Юкиэ Ягихара хочет всеми силами поддержать его стремления, но на своем пути она встречает множество преград. Во многом ее несчастная судьба напоминает жен декабристов. Не все испытания пройдены, не все вышли из передряг героически, но главный настрой фильма – им не о чем жалеть.

Самые красивые (Ichiban Utsukushiku)

Год: 1944

Режиссер: Акира Куросава

Более ранняя картина Акиры Куросавы, при этом донельзя близкий к советским реалиям сюжет. Женщины – рабочие на военном заводе – ни в чем не хотят давать себе поблажек, хотят бороться на благо своей страны. Они восстают против заниженной планки производительности, и пытаются сделать для завода больше, чем от них требуется. Тут можно увидеть схожести со Стахановским движением 1935 года.

Несмотря на то, что фильм довольно короткий, он хорошо мотивирует на то, чтобы работать не покладая рук.  

Родиться-то я родился, но…(Otona no miru ehon: Umarete wa mita keredo)

Год: 1932

Режиссер: Ясудзиро Одзу

Фильм снят режиссером, негласно признанным хранителем японской культуры и традиций, однако не чужд не только советскому зрителю, но и современному русскому. Как известно, кинокартины Одзу обычно не пестрят сюжетами, он куда больше вкладывался в визуальную составляющую, однако в этом фильме примечательна именно история жизни отца главных героев.

Неказистый чиновник, его история иллюстрирует судьбу «маленького человека» и подчеркивает тенденцую выслуживаться. Отец семейства, стараясь угодить начальникам, сносил насмешки в свою сторону и старался быть услужливым каждому вышестоящему, при том напирая в воспитании детей на то, как важно быть самым первом в любом деле и вырасти в тех людей, перед которыми он сам склоняет голову.

Жить (Ikiru)

Год: 1952

Режиссер: Акира Куросава

Возвращаясь к Куросаве, стоит сказать, что, кроме всех прочих заслуг, ему приписывалась исключительная начитанность и любовь к литературе в целом. «Жить», как главный пример экранизации классики, не может не перекликаться с чем-то советским, хотя бы потому, что вдохновение режиссер черпал из повести Л.Н. Толстого «Смерть Ивана Ильича».

Сюжет куда сильнее раскрывает темы, затронутые в предыдущем фильме из нашего списка – чиновничество и чинопочитание, которые из царской России плавно перетекли в СССР. Однако Куросава раскрывает вопрос с другой стороны: хилый старик на склоне лет становится борцом против несправедливостей судьбы. Таким образом, фильм снова походит на гимн во славу пролетариату, ведь главный герой не уступает ни перед чем, ради возможности оставить миру после себя что-то, кроме обветшалой детской площадки.

Человечность и бумажные шары (Ninjou kami fusen)

Год: 1937

Режиссер: Садао Яманака

Многие кинокартины с 1920 по 1940 были утеряны в ходе боевых действий или же из-за неосторожного хранения самих пленок, так что долгое время работы Садао Яманака не выходили в свет, а зря, ведь в своей современности он сделал чуть ли не реформу японского кино.

В центре сюжета бедный квартал, и, несмотря на чисто японские декорации, первая возникающая ассоциация от повествования – «На дне» М. Горького. Главные герои разорены, обездолены, пьют, пытаются как-то пережить свое нищенское существование. Дзидайгэки – жанр кино о японской истории, – в этом фильме подан с непривычной стороны и довольно сильно приближен к реалиям России начала XX века. Более того, обращение к временам отдаленным для репрезентации ситуации современной – один из общих приемов двух подходов в кино.

Следить за линией сюжета при просмотре может быть немного тяжело, но главная роль отводится диалогам и общему визуальному впечатлению.

На дне (Donzoko)

Год: 1957

Режиссер: Акира Куросава

После ассоциативной игры с «На дне» можно вспомнить и одну из адаптированных экранизаций русской классики. Куросава также отличается тенденцией скорее интерпретировать текст, чем показывать на экране слово в слово, потому знакомые русским читателям персонажи представляются более уместными к японским реалиям.

Несмотря на это, и на то, что Куросава старался стилизовать фильм под дзидайгэки (жанр японского исторического кино), главная мысль остается прежней – правда, с некоторой натяжкой. Если мы привыкли видеть «На дне» как трагедию, Куросава демонстрирует более сатирическую сторону того же сюжета. Но, так или иначе, показывается быт так называемых люмпенов, что не может быть чуждо темам эпохи СССР, и в принципе схоже с экранизациями «На дне» советских времен.  

Любовные письма (Koibumi)

Год: 1953

Режиссер: Кинуе Танака

Фильм затрагивает военную тему. Главный герой возвращается с фронта и узнает, что возлюбленная уже успела полюбить другого. Он находит себя в неожиданной подработке – сочинять письма от лица девушек, помогая им найти средства на жизнь в кошельках американских военных.

Этот фильм меньше других из нашего списка похож на то, что можно было бы назвать советским, однако перекрестная тема потерянности после войны и разочарований в любви – смежная для многих стран, в том числе и для советской России. СССР вышел в выигрыше после Второй Мировой войны, но цена была велика, и тема разгромленной страны с разбитыми сердцами военных касалась русских людей не меньше самих японцев. В войне нет победителей для простых людей.

Армия (Rikugun)

Год: 1944

Режиссер: Кэйсукэ Киносита

«Армия» считается откровенно пропагандистским фильмом, созданным для поднятия боевого духа. Картина рассказывает про три поколения одной семьи, о преданности родине и императору. Можно заметить знакомые нотки: главный удар в фильме идет не на врага, а на доблесть граждан, их объединение ради общей цели, что схоже с пропагандой в СССР, конечно, исключая верность императору. Мы боремся не против другой плохой стороны, мы защищаем свое отечество, умираем за свою страну.

Фильм про войну, рассказанный со стороны противника СССР, все еще сильно напоминает военные киноленты Советского союза.

25 лучших японских режиссеров всех времен — Вкус кино — обзоры фильмов и списки классических фильмов

Япония была одним из ведущих пионеров кино со времен немого века. В течение этого столетия кинопроизводства Япония сняла не только одни из величайших фильмов всех времен, но и самых влиятельных и дальновидных режиссеров, когда-либо снимавших фильмы.

Наряду с первыми режиссерами со всего мира, японские авторы помогли разработать повествование, визуальный стиль, специальные эффекты и многое другое о фильмах, которые используются до сих пор.Шли годы, японское кино продолжало революционизировать среду, постоянно вводя новые стили и методы, никогда не покидая передовой международной кинематографической сцены.

Один из самых знаковых жанров японского кино — историческая картина, действие которой происходит в феодальной Японии. Большая часть этих фильмов была посвящена самураям и их подвигам, но было также много исторических драм о беспокойных жизнях крестьян и гейш. Было также много замечательных фильмов, действие которых происходит в наше время, в том числе криминальные фильмы о якудза и эмоциональные сюжеты о социальном климате Японии.

Одним из самых значительных дополнений к фильму в Японии является введение стиля аниме-мультфильма, который вдохнул новую жизнь в анимационный жанр. Эти следующие японские режиссеры, превосходящие в создании всех жанров на протяжении столетия существования фильма, являются одними из самых важных голосов в истории кино.

25. Хирокадзу Кореэда (1962-настоящее время)

Этот список начинается с Хирокадзу Кореэды, одного из великих современных режиссеров японского кино.Со времени своего первого художественного фильма в 1995 году Кореэда заработал себе репутацию благодаря своим медитативным драмам, сосредоточенным на духовности и культурных отношениях, завоевав множество международных наград и став лицом новой волны японских режиссеров.

После того, как Корэда начал снимать несколько документальных фильмов, первый крупный фильм Кореэды «Мабороси» привлек внимание критиков, и его сравнивали с такими великими, как Одзу и Мизогучи.

Карьера Кореэды продолжалась, и его фильмы сохраняли медленный, но содержательный стиль.Одним из его самых больших хитов стал фильм «После жизни» о группе мертвых душ, ожидающих в чистилище. Еще одним его успехом у критиков стал его фильм «Все еще иду», в котором рассказывается о семье, скорбящей о недавно умершем члене семьи.

Корееда все еще развивается, его фильмы выходят постоянно, а его стиль все еще меняется. Хотя то, что он пробует, не обязательно ново, и сюжет не сильно отличается от сюжетов некоторых великих японских мастеров, его техника и форма великолепны, а его фильмы очень эмоционально увлекательны.

24. Тосио Мацумото (1932-настоящее время)

Хотя дальновидный художник Тосио Мацумото снял только четыре художественных фильма, его влияние в мировом кинематографе было огромным, а его психоделические проекты были одними из самых безумных из когда-либо созданных.

Помимо своих четырех фильмов, Мацумото внес гораздо больше в мир японского искусства. За свою карьеру он снял более 30 экспериментальных короткометражек, проверяя пределы возможностей этого средства массовой информации. Мацумото также был очень продуктивен и в других сферах искусства, сочиняя пьесы и создавая множество мультимедийных произведений искусства.

Его самый известный фильм — культовый классический «Похоронный парад роз». Фильмы Мацумото, вольно адаптированные из греческой трагедии «Царь Эдип», посвящены культуре геев в Японии того времени.

Андрогинный японский актер, известный как Питер, играет главную роль Эдди, трансвестита, который хочет попасть на вершину ночной жизни. Фильм, вероятно, больше всего запомнился тем, что, как сообщается, оказал сильное влияние на Стэнли Кубрика из-за его фильма «Заводной апельсин». Другой известный фильм Мацумото — самурайский фильм ужасов «Демоны».

23. Синдзи Аояма (1964-настоящее время)

Другой современный японский режиссер, Синдзи Аояма, сделал себе международную известность благодаря своим оригинальным и динамичным фильмам. Интерес к кино с раннего возраста, синефильная любовь Аоямы к фильмам подтолкнула его на путь режиссуры, создания короткометражных фильмов и вскоре он перешел на полнометражные фильмы.

После нескольких фильмов, которые не принесли особой репутации, Аояма сделал свой шедевр.Его фильм 2000 года «Эврика» стал международной сенсацией и закрепил за ним репутацию ведущего кинематографиста своего поколения. Фильм, который длится три часа сорок минут, рассказывает о трех жертвах насильственного угона, когда их жизнь и психическое состояние ухудшаются вокруг них.

Хотя ни один из последующих фильмов Аоямы не достиг такого же уровня признания, как чудовище Эврики, многие из его проектов по-прежнему очень примечательны. Его следующие фильмы, Desert Moon и Lakeside Murder Case были гораздо более доступными проектами, продолжающими его наследие.

Он продолжал выпускать последовательные фильмы, даже если они несколько выпали из поля зрения общественности. Тем не менее, его недавние фильмы, такие как Tokyo Park и The Backwater, демонстрируют блестящее режиссерское видение Аоямы и его постоянный вклад в среду.

22. Кейсуке Киношита (1912–1998)

Кейсуке Киношита, ровесник и друг многих наиболее известных японских авторов, таких как Акира Куросава, был ключевой фигурой в развитии национальной киносцены, но получил очень мало признания.Киношита также был одним из самых плодовитых режиссеров своего времени и за первые два десятилетия своей работы в качестве режиссера снял более 40 художественных фильмов.

Хотя многие из них либо утеряны, либо забыты, Киношита добился нескольких больших успехов, которые выдержали испытание временем. Одним из них была его ранняя военная драма «Армия» с участием великого Чишу Рю, получившая известность благодаря скандальному изображению скорбящих матерей солдат, что не понравилось военному ведомству.

Киношите посчастливилось снять первый японский цветной фильм «Кармен возвращается домой» в 1951 году.Другим фильмом его карьеры, получившим признание критиков, стал фильм «Двадцать четыре глаза», рассказывающий о молодой школьной учительнице и ее педагогической карьере во время подъема националистического движения в начале 20 века.

Однако самый известный фильм Киношиты — это, вероятно, его экранизация классической истории «Баллада о Нараяме», рассказанная с влиянием как реализма, так и стилей театра кабуки. К сожалению, наследие Киношиты не сохранилось, но его работы, несомненно, сыграли ключевую роль в развитии кинематографа страны.

21. Ёсишигэ Ёсида (1933 — настоящее время)

Ёсишигэ Ёсида был одним из ведущих участников так называемой «японской новой волны» в 1960-х и 1970-х годах. Такие режиссеры, как Ёсида, хотели исследовать новые территории и темы, которые обычно не рассматривались в японских студийных фильмах, что привело их к созданию мира японского независимого кино.

Величайшие фильмы Йошиды в основном были сняты в период после того, как он работал на культовой студии Shochiku, которую он продюсировал под своей собственной компанией.Хотя сегодня его фильмы не так популярны, как у многих его современников, в свое время он был важным режиссером.

Из его ранней фильмографии очень мало фильмов, кроме послевоенной драмы «Акицу Спрингс». Слава и популярность Йошиды в основном связаны с его исключительным трио радикальных фильмов Новой волны: «Эрос + резня», «Героическое чистилище» и «Государственный переворот». В частности, «Эрос + Резня» стал одним из знаковых фильмов развивающегося жанра, в котором рассказывается мощная история жизни анархиста Сакаэ Осуги.

Из его более поздних работ, некоторые из его других известных фильмов включают «Обещание» и пересказ классического романа Эмили Бронте «Грозовой перевал». Йошишиге Ёсида, писатель теории и философии кино, является одним из самых недооцененных японских режиссеров своего времени.

20. Кането Синдо (1912 — 2012)

Знаменитый и очень опытный режиссер, Кането Синдо оставил свой след в японском кино, получив почти 50 режиссерских работ и более 150 сценариев.В начале своей карьеры в кинобизнесе Шиндо работал помощником великого Кендзи Мидзогути и в течение следующих двух десятилетий продолжал работать в кино в качестве сценариста, сочиняя сценарии для некоторых из величайших режиссеров того времени.

Он дебютировал в качестве режиссера только в 1951 году с автобиографическим фильмом «История любимой жены», а в следующем году он привлек внимание кинематографистов своей захватывающей драмой «Дети Хиросимы», которая была очень спорной, поскольку была одной из первых японских фильмов. фильмы, чтобы подойти к теме атомной бомбы.

В течение следующих полувека, вплоть до смерти Шиндо в 2012 году в возрасте 100 лет, он продолжал вокальную карьеру в кинобизнесе. Среди его самых известных фильмов — «Голый остров», фильм о борьбе людей с природой, и два классических японских фильма ужасов, Онибаба и Куронеко. Фильмы Шиндо также прославились своим более дальновидным подходом к сексуальности, что было особенно шокирующим в начале его карьеры.

Последним фильмом, который снял Шиндо, был фильм «Открытка», посвященный семьям солдат во время Второй мировой войны.На протяжении всей своей карьеры Шиндо никогда не был любимцем критиков или огромным популярным успехом, но его вклад в жанр никогда не будет забыт его сверстниками и поклонниками.

19. Киндзи Фукасаку (1930–2003)

Жестокий провидец японского кино 1970-х годов, Киндзи Фукасаку заработал себе репутацию на шоке и жестокости своих ранних фильмов о якудза и только с тех пор стал более смелым. В отличие от большинства японских режиссеров, Фукасаку действительно получил большой перерыв в работе в Голливуде над несколькими проектами, сначала сняв забытый научно-фантастический фильм категории B «Зеленая слизь», а затем сняв часть крупнобюджетного военного фильма «Тора»! Тора! Тора !.

После этого успеха и нескольких личных проектов Фукасаку наняли для создания картины якудза «Битвы без чести и человечества». В отличие от картин якудза, которые были до него, подход Фукасаку был грубым и жестоким, снятым в документальном стиле кинематографии.

Battles стали настолько успешными, что Фукасаку снял семь сиквелов к фильму, прежде чем окончательно уйти, чтобы заняться другими жанрами. Он немного баловался историческими произведениями, такими как «Самурай Сёгуна» с Сонни Чибой в главной роли, а также вернулся в жанр научной фантастики с «Вирусом», одним из самых дорогих японских фильмов, когда-либо созданных.

Его самый большой и самый прочный шедевр, однако, появился только в 2000 году, когда был выпущен кровавый научно-фантастический фильм Battle Royale о старшеклассниках, вынужденных сражаться насмерть на острове. Фильм не только стал финансово успешным, но и повлиял на популярные сериалы, такие как «Голодные игры».

18. Хироши Инагаки (1905 — 1980)

Хироши Инагаки был одним из великих режиссеров фильмов о дзидайгэки, исторических фильмов о феодальной Японии.Начав как актер, Инагаки перешел к режиссуре в начале 1920-х годов с немых фильмов, когда он быстро стал важной фигурой и повлиял на многих молодых режиссеров.

С самого начала до войны Инагаки снял более 30 фильмов, что сделало его одним из самых плодовитых ранних авторов и новаторов в этом ремесле. Он продолжал стабильно создавать качественные изображения еще десять лет, все еще оставаясь на передовых позициях, и хотя многие из этих фильмов либо утеряны, либо их очень трудно найти, они были очень популярны в то время.

В 1954 году Инагаки начал самый крупный проект в своей карьере: самурайскую трилогию, основанную на жизни и творчестве исторического мастера самурая Мусаси Миямото. В трех фильмах, «Мусаси Миямото», «Дуэль в храме Итидзёдзи» и «Дуэль на острове Ганрю», Тоширо Мифунэ играет главного фехтовальщика, чьи приключения отслеживаются, в основном сосредотачиваясь на его основных дуэлях с соперниками-фехтовальщиками. Уникальное сочетание жестокого и медитативного стилей Инагаки в этих фильмах изменило возможности жанра.

Как и у многих режиссеров его поколения, карьера Инагаки со временем пошла на убыль, но в более поздние годы он все же создал несколько прочных фильмов, таких как «Человек-рикша» и «Самурайские баннеры».

5 кинематографистов новаторского жанра из Японии

Почувствуйте пульс аниме, фильмов ужасов, самураев и якудза с этими знаменитыми японскими режиссерами.

Два величайших режиссера Японии, Акира Куросава и Хаяо Миядзаки, известны своими работами в жанрах дзидайгэки (японская историческая драма) и аниме, соответственно.Помимо этих жанров, другие японские режиссеры приобрели мировую известность, создавая драмы, в которых основное внимание уделяется семье и современной жизни. Например, фильм Ясудзиро Одзу « Tokyo Story » фактически обошел стороной Citizen Kane как величайший фильм всех времен в опросе 2012 года, проведенном Британским институтом кино.

Давайте посмотрим правде в глаза: когда вы отдыхаете дома, вы не всегда будете в настроении для простой человеческой драмы. Иногда вам может понадобиться фильм с элементами азарта, более захватывающий или основанный на сюжете.Вкратце: жанровый фильм.

Для зрителей, чьи вкусы совпадают, есть ряд японских режиссеров, которые зарекомендовали себя как создатели фильмов премиум-жанров. От аниме до фильмов ужасов и фильмов о самураях и якудза — пять режиссеров из этого упорядоченного в алфавитном порядке списка продолжают пользоваться популярностью у себя дома и за рубежом. Если вы пропустили Токийский международный кинофестиваль в этом году, эти возможности выбора и доступ к потоковой передаче или аренде могут помочь вам спланировать собственный личный фестиваль японского кино дома.

1. Hideaki Anno

Скриншот из Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone. Студия Хара.

Такие режиссеры, как Кацухиро Отомо ( Акира, ) и Мамору Осии ( Призрак в доспехах, ) сыграли важную роль в популяризации аниме за рубежом. Последние несколько лет принесли аналогичный кроссоверный успех новой волне аниме-режиссеров, таких как Мамору Хосада ( Мальчик и чудовище, ) и Макото Синкай ( Ваше имя, ). По сравнению со своими более ранними современниками, Хидэаки Анно — один из режиссеров аниме, которому больше повезло, перейдя в живое действие.

гигантских монстров и роботов (боевые роботы) характеризуют фильмографию Анно. Создав 26-серийный аниме-сериал Neon Genesis Evangelion , он совершил прыжок на большой экран с Neon Genesis Evangelion: Death & Rebirth (1997) и The End of Evangelion (1997). Эти два фильма послужили, соответственно, в качестве ролика, резюмирующего сериал, и финалом нового полнометражного фильма. Сюжет повествует о команде роботов-подростков во главе с некрасивым Синдзи Икари, которые отражают атаки чудовищных «ангелов».”

Необязательно быть заядлым фанатом Evangelion , чтобы смотреть фильмы . Вернувшись в колледж, я не смотрел сериал (или какое-либо аниме на тот момент), но друг моего соседа по комнате показал нам фильмы. Я был потрясен эпическим масштабом видения Анно, его сочетанием классической музыки и яркого поп-вокала с апокалиптическими образами. В серии Rebuild of Evangelion он с тех пор приступил к пересказу той же истории в четырех фильмах.

Скриншот от Шина Годзиллы, Toho Pictures.

В 2016 году Anno завоевала репутацию живого боевика, заново изобрав Короля монстров для нового поколения фанатов с помощью Shin Godzilla . Этот фильм обновляет метафору об атомной бомбе из оригинального фильма Иширо Хонда 1954 года « Годзилла ». Вместо Хиросимы и Нагасаки это существо здесь символизирует ядерную катастрофу в Фукусиме и землетрясение и цунами в Тохоку.

Отчасти политическая сатира, отчасти фильм о монстрах, Шин Годзилла подчеркивает абсурдность правительственной бюрократии.Забавный факт: культовый кинорежиссер Шинья Цукамото ( Тецуо: Железный человек ) появляется в Шин Годзилла как ученый с потным полотенцем на шее.

2. Такеши Китано

Скриншот из Sonatine. Miramax Films.

Ранее в этом году Netflix выпустил собственный триллер о якудза с Джаредом Лето в главной роли, Посторонний. Если вы были разочарованы этим фильмом, возможно, вы искали пряжу якудза не в том месте.

Скорее всего, любой, кто смотрел телевизор в Японии, видел, как Такеши Китано появляется в японском варьете.Внутри страны он известен как комик под сценическим псевдонимом «Бит Такеши». За границей он более известен как актер и режиссер множества фильмов о якудза в стиле Тарантино.

Его первые три записи в жанре: Violent Cop (1989), Boiling Point (1990) и Sonatine (1993) . С его сценами гангстеров, занимающихся верховой ездой и русской рулеткой на пляжах Окинавы, последняя помогла ему прорваться на международный рынок.Ни разу со времен Роберта Де Ниро в фильме «Охотник на оленей » на экране не было такого запоминающегося изображения человека, приставшего к своей голове ружье.

Скриншот из Outrage. Магнолия Картинки.

Как говорится в анекдоте: «Знаете, как называется Голодные игры в Париже? Battle Royale с сыром ». Китано не был режиссером фильма Battle Royale (2000). Скорее всего, именно Киндзи Фукасаку завершил свою долгую режиссерскую карьеру этим фильмом. Но в нем Китано действительно играл учителя класса детей, которые сражались друг против друга в смертельной битве на острове.

После этого Китано будет снимать фильм о якудза самурайской эпохи, снявшись в роли слепого фехтовальщика в фильме « Затоити » (2003). Этот забавный фильм даже сочетается с танцевальным номером в стиле Болливуда.

Совсем недавно Китано был занят созданием трилогии Outrage . Первый из этих фильмов до сих пор остается лучшим. Втягивая вас в шекспировскую паутину своего преступного мира якудза, Outrage (2010) небрежно предается зубным пыткам такого рода, что заставит покраснеть персонаж сэра Лоуренса Оливье Marathon Man .В этом фильме есть сцена с приманкой, которая заставит зрителей-мужчин дважды подумать, прежде чем покупать напитки девушкам в баре хозяйки.

3. Киёси Куросава

Скриншот из Pulse. Daiei Film.

Когда имя Куросава упоминается в разговорах о фильмах, это часто относится к Акире Куросаве, которого мы уже упоминали. Однако «другой Куросава», Киёси, сам по себе опытный режиссер. С точки зрения критического приема, его послужной список более устойчив, чем у его современника по жанру J-horror, Хидео Наката ( Рингу, Dark Water ).

На Западе Куросава, пожалуй, наиболее известен своим фильмом о кибер-призраках 2001 года, Pulse . Рецензенты высмеивали американский римейк 2006 года, но оригинальный фильм Куросавы затронул раннее беспокойство по поводу Интернета — то, как он соединяет нас с более широким миром, оставляя нас в некоторой степени оторванными от нашего непосредственного окружения. В этом фильме одинокие фантомы преследуют людей через компьютеры и начинают переходить в живой мир.

Скриншот с сайта Cure. © Kadokawa Corporation, 1997.

Лично я впервые познакомился с работами Куросавы на презентации «Мастера J-Horror» на Токийском международном кинофестивале 2015 года. Именно здесь я наткнулся на то, что, возможно, является его настоящим шедевром, фильм 1997 года « Cure ». Созданный за год до Ringu во время появления J-horror, Cure следует за детективом, который расследует череду связанных убийств, которые могли быть запрограммированы с помощью гипноза. Если сюжет звучит сомнительно, будьте уверены, сам фильм завораживает, полон длинных кадров, создающих невыносимо напряженную атмосферу.

Cure ознаменовало первое сотрудничество Куросавы с актером Кодзи Якушо ( Memoirs of a Geisha , Babel ), который с тех пор снялся во многих других своих фильмах, таких как Seance (2001). Более свежий титул Куросавы — Creepy (2016), который играет на страхах перед незнакомцем, живущим по соседству. Что, если ваш сосед — психоубийца?

Куросава также получил международное признание за пределами жанра J-horror.Его неблагополучная семейная драма « Tokyo Sonata » получила приз жюри в разделе «Особый взгляд» на Каннском кинофестивале 2008 года.

4. Такаши Миике

Скриншот из Audition. Омега Проект.

Фильмы Такаши Миике не для слабонервных, но, как и другие в этом списке, он является режиссером, получившим всемирное признание. Он также очень плодовит, сняв более сотни фильмов. Если вы можете выдержать крайнее насилие и кровопролитие, он особенно известен своими самурайскими фильмами и фильмами ужасов.

Самым популярным фильмом Miike среди составителей списков, несомненно, будет Audition (1999). Основанный на романе японского писателя Рю Мураками, « Audition » рассказывает о вдовце, который участвует в фальшивых кинопробах, чтобы найти новую жену. Фильм начинается обманчиво сухим, как драма, а затем достигает крещендо одной из самых страшных сцен из фильмов ужасов всех времен. Квентин Тарантино включил Audition в список своих 20 любимых фильмов с 1992 по 2009 год (17-летняя пауза между его собственными фильмами, Бешеные псы и Бесславные ублюдки ).

Miike’s One Missed Call (2003) основан на конвенции J-horror о проклятых телефонных звонках. Это еще одно из тех жанров, которые породили американский римейк с низким (в данном случае 0%) рейтингом на Rotten Tomatoes.

Скриншот из 13 убийц. Магнолия Картинки.

Сыграл Таданобу Асано ( Тор, Тишина ), резкий убийца из ужасного криминального кошмара Миике 2001 года, Убийца Ичи, достаточно известен, чтобы заслужить восковую фигуру в музее мадам Тюссо в Одайбе.Посетители получили сумки для еды для полуночного просмотра этого фильма на Международном кинофестивале в Торонто. Это был всего лишь рекламный ход, но он должен кое-что рассказать вам об уровне графического насилия, демонстрируемого в Ichi the Killer .

Зрителям, не желающим соглашаться на что-либо меньшее, чем дюжина убийц пекаря, стоит посоветовать посмотреть фильм Миике 2010 года « 13 убийц». Фильм привносит современные производственные ценности в старый знакомый сюжет Seven Samurai , в котором небольшая группа героев противостоит большей группе нападавших в укрепленном месте.

В последние годы Миике сотрудничал со знаменитым актером кабуки Эбизо Исикава в нескольких других хорошо отрецензированных фильмах о самураях, Хара-Кири: Смерть самурая (2011) и Blade of the Immortal (2017). ).

5. Исао Такахата

Скриншот из «Могилы светлячков». Студия Ghibli.

Покойный Исао Такахата (он скончался в 2018 году) написал ряд классических фильмов студии Ghibli. Хотя имя Хаяо Миядзаки стало более известным на международном уровне, Такахата фактически стал соучредителем студии вместе с ним.Ранние работы Ghibli чередуются между фильмами Такахаты и Миядзаки.

Первому фильму Такахаты на языке Ghibli, Могила светлячков , в этом году исполняется 30 лет. Первоначально он попал в кинотеатры как двойной полнометражный фильм с сериалом My Neighbor Totoro в тот же день в 1988 году. Однако не дайте себя обмануть, потому что Grave of the Fireflies — это скорее серьезная драма в аниме. В фильме рассказывается о брате и сестре, Сейте и Сэцуко, которые пытаются выжить в одиночку в заминированном Кобе во время Второй мировой войны.

Следующая анимационная драма

Такахаты была « Only Yesterday » (1991) о поездке молодой женщины в сельскую местность, которая изменила ее жизнь. В 2016 году актриса Star Wars Дейзи Ридли реализовала свою одержимость японской культурой, озвучив главную роль в англоязычной версии Only Yesterday, посвященной 25-летию.

Скриншот из «Сказки о принцессе Кагуе». Студия Ghibli.

Возможно, вы больше никогда не будете смотреть на тануки (японских енотовидных собак) таким же образом после просмотра загородного фэнтези Такахаты 1994 года, Pom Poko .В этом фильме Тама, Токио, является местом войны между енотовидными собаками и людьми. Хотя это якобы предназначенный для семейного просмотра мультфильм, гибнут люди по обе стороны войны. Когда тануки не надувают свои яички в парашютистах, они также используют свою способность изменять форму, чтобы терроризировать местных жителей в hyakki yagyō («ночной парад ста демонов»).

Красивый, нарисованный мазком аниме-стиль последнего фильма Такахаты, Повесть о принцессе Кагуя (2013), визуально выделяет его среди других фильмов Ghibli.Этот фильм, пропитанный духом японского фольклора, где от побегов бамбука рождаются девочки королевского происхождения, был номинирован на «Оскар» за лучший анимационный фильм.

Кто ваш любимый японский режиссер? Есть ли какие-нибудь известные японские жанровые фильмы, которые вы бы порекомендовали? Поделитесь своими собственными важными подборками фильмов в разделе комментариев ниже.

Японских режиссеров 101 — ELFS Japan

Это будет продолжающийся сериал, в котором я надеюсь познакомить новичков с удивительным эклектичным миром японского кино.Очевидно, что тем, кто смотрел японские фильмы какое-то время, многие имена будут хорошо известны, но я надеюсь, что у всех появятся новые удовольствия, которые нужно изучить.

Я опоздал на японский фильм. Как и многие другие, я просмотрел лишь несколько фильмов Куросавы о самураях и J-Horror начала 2000-х годов. Незадолго до моего первого визита в Японию в 2015 году я начал смотреть таких, как Ozu и Suzuki Seijun, и большая часть японского производства, как старого, так и современного, была мне неизвестна.С тех пор я занимался самообразованием, просмотрев около 500 японских фильмов, беспорядочно прыгая по стилям, жанрам и временным периодам. Это было фантастическое путешествие, полное открытий.

ЧАСТЬ 1: Япония встречает мир

Когда Япония начала открываться для внешнего мира с появлением в 1853 году черных кораблей коммодора Перри, возник огромный всплеск интереса к этой до сих пор малоизвестной культуре. В Лондоне, откуда я переехал в Токио, японские сады были созданы в Кью и Холланд-Парке, дизайнеры, такие как Дрессер и Годвин, черпали вдохновение из Японии в своей архитектуре и мебели, а японские произведения искусства были импортированы в каждую богатую семью.

В 1951 году нечто подобное произошло, когда фильм Куросавы Акиры «Расомон» дебютировал на Венецианском кинофестивале. К удивлению японских критиков, фильм получил высокую оценку на Западе, он получил «Золотого льва» в Венеции и впоследствии был удостоен Почетного Оскара за лучший фильм на иностранном языке в 1952 году. Японский фильм внезапно стал товаром на Западе. Почетный Оскар последовал за «Вратами ада» Кинугасы Тейносукэ в 1954 году и «Самурай, легенда о Мусаси» Инагаки Хироши в 1955 году, в то время как такие режиссеры, как Мидзогути Кендзи и Одзу Ясудзиро, уже хорошо известные и уважаемые в Японии, начали выпускать свои работы во внешнем мире.

Подобно вековой культуре, лежащей в основе японской моды викторианской Англии, Япония производила фильмы с 1897 года, после презентаций братьев Люмьер, но теперь японский фильм стал главной уникальной силой в кино, оказавшей влияние на и находясь под влиянием остального мира.

Здесь я буду иметь дело с «тремя мастерами», которые возглавили эту силу.

Акира Куросава и актерский состав Расомон

Куросава Акира

Если кто-то слышал только об одном японском режиссере, то это Куросава.Недавно я обнаружил, что он ходил в начальную школу всего в нескольких кварталах от студии ELFS Japan, так что я чувствую небольшую связь! Отец Куросавы поощрял западные идеи, особенно кино, а его старший брат стал «бэнси», рассказчиком немых фильмов. Стремясь стать художником, возможно, самоубийство его брата в 1933 году привело юного Акиру в кино.

В 1935 году он начал свой обычный путь в качестве помощника режиссера, даже неофициально руководя одним из фильмов, «Ума» 1941 года, пока в 1943 году не стал режиссером своего первого полнометражного фильма «Санширо Сугата».Это было из его собственного сценария, и он рано пришел к убеждению, что режиссерам нужно научиться писать свои сценарии. У него также был очень западный стиль, который в годы войны вызвал цензуру и осуждение, и Капра, Гриффит и особенно Джон Форд оказали на него большое влияние.

Именно после войны Куросава начал обретать свой голос, и без его ведома «Расомон» был представлен на Венецианском кинофестивале в 1951 году. С этого момента Куросава стал лицом японского кино.В двух фильмах до этого он сначала работал с молодым актером по имени Мифунэ Тоширо, который снялся в 15 из 30 фильмов Куросавы и создал еще одну международную икону японского кино. В его карьере, особенно после расставания с Мифунэ в 1965 году, было много взлетов и падений, но к его смерти в 1998 году он сохранил свою позицию японского кинорежиссера .

По сути просматривает: Моим первым Куросавой была «Семь самураев», как это было для многих, и вы не ошибетесь.Под влиянием Джона Форда и западного жанра, все прошло полный круг, когда он был адаптирован Голливудом как «Великолепная семерка». Еще одна самурайская классика, «Ёдзимбо», была неофициально адаптирована Серджио Леоне как «Пригоршня долларов». При просмотре фильма Куросава отправил Леоне письмо, в котором говорилось: «Это очень хороший фильм, но это мой фильм», и предъявил иск о выплате доли выручки.

Мой выбор: С моей любовью к фехтованию на мечах люди могут быть удивлены, узнав, что мой любимый Куросава — это Икиру, история о низком государственном служащем, который понимает, что его жизнь была работой по блокированию человеческих мечтаний и изучению своей собственной смертностью он решает протолкнуть один проект через систему.Это прекрасно снятый и сыгранный фильм с необычайной центральной игрой Шимуры Такаши, более известного как лидер Семи самураев.

Одзу на месте директора

Одзу Ясудзиро

Когда Куросава победил в Венеции, японские критики пришли в ужас. В качестве настоящего представителя японского кино они выбрали Одзу, и только после Куросавы фильмы этого пожилого человека стали известны внешнему миру.

В отличие от Куросавы, Одзу не поощряли смотреть фильмы, но для этого он прогуливал школу и, опять же, в отличие от Куросавы, рано решил стать кинорежиссером.То, что он пришел в студию «Сётику» в 1923 году, но не в качестве помощника режиссера, а в отделе кинематографии, противоречил воле его отца. Однако сочетание настойчивости и удачи привело его к режиссерскому креслу в раннем возрасте в 1927 году.

Одзу снял 34 немых фильма, 19 из которых потеряны. Снимаясь в студенческих комедиях и гангстерских фильмах, он начал производить впечатление социальными комментариями. Он продолжал производство немых фильмов до 1936 года, и, поскольку он не брал цвет до своих последних шести фильмов в 1958 году, кажется, что Озу не был готов к новым процессам, пока он не почувствовал, что они были усовершенствованы.

Как Куросава Одзу написал свои собственные сценарии, за исключением нескольких ранних, обычно сотрудничая с Нода Кого, который измерял прогресс в написании сценариев по количеству выпитых бутылок сакэ. И снова, как Куросава, он установил рабочие отношения с актером, на этот раз ведущей актрисой Хара Сэцуко, которая продемонстрировала смиренную красоту в шести его более поздних фильмах. Когда Одзу умерла в 1963 году, она вышла на пенсию и до 2015 года жила в уединении в Камакуре.

Как полагали японские критики, Одзу привнес на экран аспекты японского характера и культуры, но именно своим стилем съемки он стоит особняком от прозападных режиссеров.Его камера почти не двигается, и в последних цветных фильмах она перестает двигаться. Переходы происходят через крупные планы объектов, персонажи смотрят прямо в камеру, а не на обычный снимок «через плечо», а большая часть направления проходит «в глубину» через различные дверные проемы и окна на заднем плане снимков. Самым известным является его «снимок татами», когда камера находится на уровне человека, стоящего на коленях на татами.

Essential Viewing: «Tokyo Story» постоянно и заслуженно значится в рейтингах «лучших» на протяжении десятилетий, иногда опрокидывая «Гражданина Кейна» с первой позиции.История пожилой пары, навещающей безразличных детей в большом городе, есть что-то от короля Лира (также адаптировано Куросавой как «Ран»). Хара Сэцуко играет овдовевшую невестку, которая проявляет к ним единственную доброту.

Мой выбор: Трудно выйти за рамки «Токийской истории», так как это была моя первая и определяющая Озу, но как любитель немого кино я укажу вам на «Я родился, но …» из 1932 года, историю два молодых брата, потерявшие веру в своего отца.Очаровательный и забавный, с великолепными детскими представлениями, он соответствует многим воспоминаниям нашего детства.

Мидзогути в последнюю минуту поправляет шиньон Танаки Кинуё

Мидзогути Кэндзи

Мидзогучи, старший из трех режиссеров, начал свою карьеру в кино как актер, но только после работы в театральном оформлении и рекламе. После трех лет работы в качестве актера он отошел от камеры и снял 99 художественных фильмов, полные 65 из которых — утерянные молчания и ранние звуковые фильмы.

Мидзогути вскоре начал завоевывать репутацию руководителя социальных комментариев, особенно в отношении низкой роли женщин в японском обществе. В то время как Куросава представлял новое кино с западным влиянием, а Одзу считался истинным японским провидцем, к тому времени, когда японское кино ворвалось в мировое сознание, Мидзогути уже считался старомодным в Японии. Однако новая западная аудитория поддержала его, и к концу своей жизни он написал свои самые известные работы.

Мидзогути наиболее известен своими длинными дублями («одна сцена — один снимок») и тем, что он сосредоточен на главных героях-женщинах. Его сестра была продана гейшам в раннем возрасте, и трудно не заметить, что это повлияло на его работы, такие как «Сестры Гион», действие которых происходит в квартале гейш Киото. Поэтому неудивительно, что его самые известные рабочие отношения были с актрисой Танакой Кинуйо, которая снялась в 15 его фильмах. Однако его поддержка была ограничена, поскольку он был категорически против ее решения стать режиссером в 1953 году, когда ее фильм «Любовное письмо» сделал ее лишь второй японкой, которая сняла фильм.

Захватывающая личная жизнь Мидзогути иногда затмевала его творчество и была предметом блестящего документального фильма Синдо Кането «Кендзи Мидзогути: Жизнь кинорежиссера».

Обзор: «Угэцу» 1953 года, как правило, считается шедевром Мидзогути, после «Расомона» он выиграл серебряного льва в Венеции. Историческая история о привидениях, она косвенно бросает вызов мировоззрению, которое привело к войнам в Японии в начале века, и, в частности, их влиянию на женщин.Кинематография действительно захватывает дух.

My Choice: «Жизнь Охару» рассказывает о том, как главный герой (которого играет Танака) превратился из дочери богатой семьи в куртизанку, слугу, монахиню и проститутку. Прекрасный кадр и темп, с необычайным центральным исполнением, он бросает вызов статусу женщин в обществе того времени, но также дает нам понять, что мало что изменилось.

В следующий раз: Я изучу несколько менее известных имен раннего японского кинематографа, прежде чем появиться в современном мире! Увидимся позже.

О Рори О’Доннелле

Рори О’Доннелл проработал в индустрии развлечений Великобритании 25 лет, сначала актером, затем директором по кастингу, а затем десять лет проработал директором курсов Raindance London, ведущего британского провайдера краткосрочных учебных курсов для кинематографистов. Он является отмеченным наградами режиссером, режиссером которого является режиссер короткометражных фильмов, показываемых на фестивалях в Европе и Северной Америке. Среди его учеников были все: от профессионалов кино, желающих расширить свои навыки, до неопытных новичков с мимолетным интересом к предмету.Основываясь на этом опыте, он разработал классы, подходящие для всех уровней подготовки и способностей.

Готовы научиться кинопроизводству?

Присоединяйтесь к нашему мастер-классу по созданию короткометражных фильмов

Начинается 13 августа

фильмов золотого века японского кинематографа

Среди множества выдающихся фильмов, доступных зрителям на Kanopy, есть несколько классических фильмов золотого века японского кино 1950-х годов.

Один из величайших фильмов в истории мирового кино — это фильм Акиры Куросавы «», «Семь самураев ».Этот фильм 1954 года стал седьмым совместным проектом режиссера Куросавы с актером Тоширо Мифунэ — выдающимся японским актером 20-го века, 100-летие которого исполнилось бы в этом, 2020 году. Мифунэ и Куросава, одно из величайших совместных проектов актеров и режиссеров, вывели японскую киноиндустрию на мировую арену с серией Rashomon в 1950 году, положив начало десятилетию, которое станет известным как золотой век японского кино. Неяпонские любители кино иногда откладывают просмотр Seven Samurai из-за его высокой критической репутации, а также из-за впечатляющего времени просмотра.Однако эта бесконечно увлекательная эпопея с боевиками и драмами, комедиями и трагедиями, философией и шутками — один из самых быстрых трех с половиной часов в истории кино. Если вы знакомы с историей только по американскому римейку, Великолепная семерка , 1960, взгляните на оригинал, и вы, возможно, захотите попробовать другие классические произведения золотого века японского кино, доступные на Канопи.

Фильм, который вывел японское кино на мировую арену в самом начале 1950-х годов, — это Rashomon Куросавы.Его показали на Венецианском кинофестивале, где он получил премию «Золотой лев». Название фильма стало синонимом сложной повествовательной структуры фильма: история убийства рассказана четырьмя разными, противоречивыми персонажами, в том числе — с помощью духовного медиума — самой жертвой убийства. Термин «эффект Расомона» основан на повествовательной структуре этого фильма. Отличительной чертой фильма стала необычная операторская техника. Куросава прокомментировал: « Расёмон — это фильм, в котором камера играет главную роль.«Некоторые из резких эффектов камеры включают в себя длительные кадры с отслеживанием через лес и съемку прямо на солнце. Rashomon был снят Кадзуо Миягава, который известен как« величайший кинематографист Японии », а также снимался в двух других фильмах. в этом списке: Кэндзи Мидзогути Угэцу и Ясудзиро Одзу Плавающие сорняки .

Третий шедевр Куросавы, доступный на Канопи, — Икиру . Вдохновленный новеллой Толстого « Смерть Ивана Ильича », название Икиру ( 生 き る ) — это японский глагол, означающий «жить».Как и в случае с Rashomon , Куросава использует в этом фильме необычную повествовательную структуру. Он рассказывает историю бюрократического клерка, который узнает, что он умирает от рака желудка, в двух частях: первая половина следует за главным героем Ватанабэ, ищущим смысл жизни после того, как получил смертельный диагноз, а вторая половина — у себя. Уэйк, будучи семьей и коллегами, ретроспективно пытается понять, как Ватанабэ казался странным в последние несколько дней его жизни. Трогательная и вдохновляющая работа Куросава сказал об этом фильме: «Иногда я думаю о своей смерти.Я думаю о том, чтобы перестать быть … и именно из этих мыслей пришел Икиру. «

Еще одна классика Канопи — « Tokyo Story » Ясудзиро Одзу (1953). В то время как международный успех Акиры Куросавы пришел рано, слава режиссера Одзу не получила широкого распространения за пределами Японии до его смерти в 1963 году. Начав сниматься в кино на поколение раньше Куросавы, Одзу наиболее известен благодаря стилистически консервативным фильмам своего позднего периода. Тем не менее, в своей карьере он адаптировался к таким технологическим инновациям, как переход от немого кино к звуку и переход от монохромного к цветному.Его ранние фильмы включают комедии и гангстерские фильмы, но наиболее известен он послевоенными фильмами «Шомин-геки» в его зрелом стиле — драмами о жизни обычных семей среднего класса. Одзу создал личный, строгий кинематографический язык, наполненный изысканными деталями, тонкими наблюдениями, тонким чувством композиции кадра, использованием обычно статической камеры, установленной на уровне глаз человека, сидящего на татами, диалогами персонажей. кадрирование изолированно, глядя в камеру, и использование «снимков подушек» — изображений без людей, объектов, пейзажей, зданий или комнат, чтобы соединить сцены.Как и большинство его зрелых фильмов, « Tokyo Story » построен из простейших сюжетов, включающих конфликт между довоенным и послевоенным поколениями — в данном случае старшая пара приезжает из сельской местности, чтобы навестить своих детей в Токио. кто считает их обузой. Моменты мягкого наблюдения и юмора переходят в моменты непреодолимых, но сдержанных эмоций. Возможно, самый известный фильм Одзу, Tokyo Story , часто входит в списки величайших фильмов, когда-либо созданных, а иногда и возглавляет их.

Tokyo Story / 東京 物語

Если вы хотите дальше исследовать вселенную Одзу, у Канопи также есть режиссерский фильм Floating Weeds , его цветной римейк 1959 года его немого фильма 1934 года « A Story of Floating Weeds ». Опять же, как и в Tokyo Story , Одзу раскрывает глубокие глубины эмоций, наблюдений и повседневной жизни с помощью простой истории: актерская труппа посещает небольшой город, где пожилой лидер навещает старую подругу.

Еще один замечательный фильм о Канопи — « Ugetsu » Кенджи Мидзогути. Кендзи Мидзогути, включая Ясудзиро Одзу и Акиру Куросаву, занимает третье место из трех великих режиссеров золотого века японского кино. Мидзогути, пожалуй, наиболее известен тем, что изображает тяжелое положение женщин при японском феодализме. Хотя история Ugetsu больше всего сосредоточена на мужчинах, две величайшие актрисы Японии — обе тесно связаны с творчеством Мидзогути — сыграли главные роли в фильме: Мачико Кё и Кинуё Танака.Полное японское название фильма — Ugetsu Monogatari , что можно перевести как «Сказки о луне под дождем». Отчасти историческая драма, отчасти басня, отчасти история о привидениях, Угетсу рассказывает о судьбах двух мужчин, которые бросили своих жен во время войны, ослепленных алчностью и амбициями, и о последствиях их действий для оставленных ими семей. Пресловутый перфекционист, объекты в исторических драмах Мидзогути часто были взяты из музеев того периода, в котором разворачивается действие фильма.Одним из девизов Мидзогути было «Одна сцена, один кадр», что привело к его фирменному долгому подходу к съемкам. В Угетсу длинные кадры и парящая камера Мидзогути — в одном случае бесшовно соединяющая две сцены с одними и теми же двумя персонажами, заключенными в объятия, в разных местах — отражают как духовный мир, частично изображенный в фильме, так и длинный, распутывающий формат фильма. традиционный японский свиток. Признанный одним из самых визуально красивых фильмов, когда-либо созданных, Угетсу получил награду Серебряного льва на Венецианском кинофестивале 1953 года и стал одним из фильмов, которые помогли вывести японское кино на мировую арену.

Интересным раритетом японского кино, доступным нашим покровителям, является фильм Кадзуо Мори The Blind Menace — Shiranui kengyô. Звезда фильма Синтаро Катсу в следующем десятилетии стал легендарным благодаря роли слепого фехтовальщика Дзатоичи. С 1962 по 1989 год «Затоичи» был одним из самых продолжительных и популярных сериалов в истории кино. Хотя оба персонажа слепы, и некоторые из манер, которые должны были стать известными в более поздних сериях, уже присутствуют в Слепая угроза , циничный, коварный социальный альпинист, которого Катсу играет в этом более раннем фильме, является противоположностью любезного, самонадеянного. -жертвующий, но смертельный Затоичи.Кадзуо Мори также снял запись в сериале Затоити.

Слепая угроза / 不知 火 検 校

Пожары на равнине , жестокий и жгучий фильм Кона Итикавы 1959 года, изображающий выживание японского солдата на Филиппинах в последние дни Второй мировой войны. И версия Кунио Ватанабе 1958 года: Chushingura , The Loyal 47 Ronin (忠臣 蔵) .Одна из самых снимаемых историй в японском кино, Мидзогути также сделал четырехчасовую версию этой истории в 1941 году в качестве пропагандистской кампании военного времени.

Пожары на равнине / 野火

Верные 47 ронинов: Чушингура / 忠臣 蔵

Также любителям японского кино представляют интерес два фильма о ниндзя Райдзо Итикава 1960-х годов.Известный как «Джеймс Дин из Японии», харизматичный актер Райдзо умер в возрасте 37 лет, на его имя было снято более 150 фильмов. Нашим покровителям доступны два фильма о Райдзо из двух его самых популярных серий: Shinobi no mono ( 忍 び の 者 — Ninja or Band of Assassins; 1962) и Sleepy Eyes of Death: The Chinese Jade ( 1963), в котором он играет полуяпонского ронина.

Шиноби но моно / 忍 び の 者

Месяц азиатско-тихоокеанского наследия — прекрасное время, чтобы посетить японское кино или пересмотреть некоторые из этих классических произведений, доступных на Канопи.

Женщины-режиссеры из Японии: гендерное общество в переходный период

Тадзуко Сакане (坂 根 田鶴子, 1904-1975 ) считается первой женщиной-режиссером в Японии. Саканэ коротко постриглась и оделась в мужскую одежду, чтобы соответствовать мужской профессии, и получила шанс снять фильм « Новая одежда » (初 姿) в 1936 году после того, как легендарный режиссер Кендзи Мидзогути взял ее под свое крыло. Это должен был быть единственный полнометражный фильм Сакане; фильм провалился, и у Сакане больше не было возможности снимать художественный фильм.Но Сакане также была одной из первых в мире женщин-режиссеров-документалистов, и во время вторжения Японии в Маньчжурию (большую территорию на северо-востоке Китая) она снимала документальные и пропагандистские фильмы из этой местности. Одна из них, Pioneer Bride / Brides on the Frontier (開拓 の 花嫁) 1943 года, рассказывает о молодой жене, которая борется наравне с мужчинами в Маньчжурии, пока она создает семью. Фильм следует рецепту национальных политических фильмов, но также ставит сотрудничество между полами как предпосылку для межкультурного сотрудничества.Когда война закончилась, Сакане запретили заниматься своей профессией в качестве режиссера, и ей пришлось начинать все сначала с нуля в иерархии киноиндустрии в качестве «помощницы» в возрасте 42 лет. После Сакане больше не было фильмов, снятых режиссером. женщин в Японии до окончания Второй мировой войны, когда Кинуё Танака вошел в качестве преемника Сакане. Первоначальное чувство признания женщин-режиссеров в Японии проявилось гораздо позже.

Кинуё Танака (田中 絹 代, 1909-1977 ) последовала за Сакане в качестве второй женщины-режиссера в Японии.Она наиболее известна своей актерской игрой, и ее карьера длилась более 50 лет, сняв более 250 фильмов. Танака известна своими ролями в фильмах режиссеров Кендзи Мидзогути и Ясудзиро Одзу, где она преуспела в ролях, определяемых ограничительными патриархальными взглядами. Однако как режиссер Танака проявила более индивидуальную и феминистскую сторону. К сожалению, в 1950-х годах дискриминационное общество хорошо поработало, избавив женщин от всех руководящих должностей в японской киноиндустрии. В этой женоненавистнической среде действительно удивительно, что Танаке вообще разрешили снимать фильмы.Ее первая режиссерская работа была в романтической мелодраме Love Letter (恋 文) 1953 года, которая была показана на Каннском кинофестивале в 1954 году. Фильм относится к жанру shomin-geki , который традиционно изображает жизнь обычных японцев. Танака также снял такие фильмы, как «Луна воскресла » (月 は 上 り ぬ) в 1955 году и «Блуждающая принцесса » (流 転 の 王妃) в 1960 году. «Луна воскресла» — это мелодрама с явными феминистскими темами. Речь идет о приверженности трех сестер, а младшая сестра отказывается принимать строгие, обязательные социальные нормы поведения японских женщин.

Наоми Кавасэ (河 瀨 直 美, 1969-) начала свою карьеру с создания короткометражных документальных и экспериментальных фильмов. С интересом к автобиографичности, большинство ранних фильмов Кавасе были сосредоточены на ее собственном бурном детстве и семейной истории. Кавасэ выросла в сельской местности Нара, и сельская местность была отличным источником вдохновения для ее фильмов. Ее родители развелись в раннем детстве, оставив ее воспитывать тетя. Фильмы Кавасэ поэтичны и ярки и поднимают вопросы о природе, семье и человеческом существовании.Помимо режиссуры, она также является кинопродюсером, а также основателем и директором Международного кинофестиваля в Нарах. Несколько фильмов Кавасэ завоевали престижные награды на кинофестивалях, и она неизменно оставалась заметной благодаря своему смелому и саморефлексивному кинематографическому стилю. В 1997 году ее фильм « Suzaku » (萌 の gave) удостоил ее звания самого молодого человека, когда-либо удостоенного престижной награды Camera D’Or (лучший новый режиссер) на Каннском кинофестивале. Лес скорби (殯 の 森) выиграл престижный Гран-при в Каннах в 2007 году и рассказывает историю медсестры, которая оплакивает своего мертвого ребенка.Она работает в доме престарелых и заводит особые отношения с пожилым мужчиной, страдающим слабоумием, который ищет в местном лесу что-то, связанное с его мертвой женой, чего он не может объяснить.

Наоко Огигами (荻 上 直 子, 1972-) училась и работала с кино и кинопроизводством в течение шести лет в США, прежде чем она вернулась в Японию в 2000 году и начала писать сценарии и снимать фильмы, помимо того, что начала работать собственная продюсерская компания в 2008 году. Огигами дебютировал в полнометражном фильме с фильмом Barber Yoshino (バ ー バ ー 吉野) в 2004 году.С тех пор ее фильмы были показаны на многочисленных фестивалях по всему миру. Сюжет комедии Закусочная Камоме / Закусочная (か も め 食堂) 2006 года разворачивается в столице Финляндии Хельсинки и рассказывает о японке, которая открывает кафе, где подают блюда японской кухни, и о друзьях, которых она заводит. Огигами, вероятно, наиболее известен здесь, в Норвегии, благодаря очкам (め が ね) 2007 года. Фильм был показан в норвежских кинотеатрах в 2009 году и повествует историю профессора университета, который отдыхает на неназванном японском острове, где она контактирует с несколько чудаковатых местных жителей.В шестом полнометражном фильме Огигами « Rent-a-cat » (レ ン タ ネ コ) 2012 года главный герой сдает кошек в аренду одиноким людям. Он был номинирован на лучший полнометражный фильм на фестивале «Фильмы с юга» в Осло.

Мива Нисикава (西川 美 和, 1974-) — писатель и режиссер, и сегодня это одно из самых известных имен в японской киноиндустрии. Нисикава начала свою карьеру с нескольких независимых фильмов, а также была обнаружена режиссером Хирокадзу Кореэда.Прорыв в качестве режиссера произошел в 2003 году с ее первым художественным фильмом Wild Berries (蛇 イ チ ゴ) в сотрудничестве с Кориэдой. С тех пор ее фильмы были встречены восторженными отзывами критиков в Японии. Sway (ゆ れ る) 2006 года имел огромный коммерческий успех и стал единственным японским фильмом, который претендовал на престижную Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале. Многие из самых известных режиссеров в истории японского кино — это те, кто сосредоточивает свои фильмы в повседневной сфере.От всемирно известных классических имен, таких как Ясудзиро Одзу и Микио Нарусэ, до имен, таких как Хирокадзу Кореэда из нашего времени. То же самое можно сказать и о Мива Нисикава. Например, Wild Berries представляет собой классическую тему разрыва между поколениями между родителями и детьми, а Sway исследует натянутые отношения между двумя братьями, один из которых остался в деревне, где они вырос, а другой сбежал в деревню. город так быстро, как он мог. Нисикава выделяется особым подходом к своим повествованиям; а именно вовлечение одного или нескольких главных героев в зачастую тяжкие преступления.Скрещивая повседневные обязанности с преступностью, ее фильмы в конечном итоге затрагивают субъективную природу морали.

Продолжительное влияние японского режиссера на американское кино «American View

Величайшие из ныне живущих кинематографистов Америки говорят на общую тему, говоря о легендарном японском сценаристе и режиссере Акире Куросаве. Они его почитают.

Звездные войны Создатель Джордж Лукас сказал, что Куросава «оказал огромное влияние на мою жизнь и работу.Стивен Спилберг восхищается его «потрясающими работами, которые продолжают вдохновлять всех нас». Мартин Скорсезе говорит: «Куросава был моим учителем и многими другими».

«В их творчестве можно увидеть его влияние повсюду», — сказал киновед Майкл Джек о Куросаве, чья карьера длилась шесть десятилетий.

Дэвид Дессер, преподающий кино в Университете Чепмена, сказал, что, когда вы смотрите фильмы Куросавы, «вы видите моменты, которые цитируются и улавливаются [в более поздних фильмах]: как вы справляетесь с толпой, замедленное движение в боевых сценах.”

Фильм 1950 года « Расомон », в котором преступление рассказывается с четырех очень разных точек зрения, сделал Куросаве имя в международном кинематографе. Он получил высшую награду на престижном Венецианском кинофестивале и познакомил Запад с японским кинематографом.

Но самая длинная тень отбрасывается Куросавой Семь самураев . Дессер говорит, что Семь самураев повлияли на большее количество фильмов, чем почти любой другой.

История самурая, нанятого для того, чтобы собрать небольшую команду для защиты города от нападения бандитов, была переделана в Америке как Великолепная семерка , но элементы ее сюжета перекликаются с такими разными фильмами, как Мстители , Одиннадцать друзей Оушена и Жизнь жука .

Джордж Лукас признает, что сюжет его оригинального фильма Звездные войны был адаптирован из другого фильма Куросавы, Скрытая крепость .

«Он не сочиняет рассказов о маленьких людях», — сказал Джек. «Все его люди большие».

Дессер указывает на одну из повторяющихся тем Куросавы, чтобы объяснить его продолжающееся влияние. «Его интересует, что делает мужчин героями».

Фрэнсис Форд Коппола, режиссер фильмов Крестный отец, и Апокалипсис сегодня, , подытожил выдающуюся карьеру Куросавы, сказав: «Акира Куросава отличает то, что он не создал ни одного шедевра или двух шедевров; он сделал, знаете ли, восемь шедевров.”

«Это Шекспир кино», — сказал Джек. «Это так просто».

Лучшие моменты Куросавы

Расомон (1950)

Мертвый самурай, его травмированная жена, нападавший и свидетель рассказывают четыре очень разные версии того, что произошло в лесу.

Семь самураев (1954)

Деревня, которой угрожают бандиты, нанимает команду самураев для защиты.

Скрытая крепость (1958)

Более легкий и смешной фильм Куросавы.Солдат и двое крестьян сопровождают принцессу через вражеские позиции в безопасное место. Замените крестьян дроидами, и у вас будет Звездных войн .

Йоджимбо (1961)

Самурай без хозяина приходит в город, которым управляют две жестокие банды, и обманом заставляет их уничтожить друг друга.

Высокий и низкий (1963)

Руководитель оказывается вовлеченным в похищение ребенка. «Одна из величайших детективных картин на свете», — сказал Майкл Джек.

Ран (1985)

Адаптировано из шекспировского романа King Lear , Ran рассказывает историю военачальника, который изгоняет одного сына, но его предают двое других.

Американские фильмы, вдохновленные Куросавой

Звездные войны
(Скрытая крепость)

Великолепная семерка
(Семь самураев)

Пригоршня долларов
(Йоджимбо)

Жизнь жука
(Семь самураев)

Краткое, но важное введение в японское кино

Вдохновение

Взгляд на жанры, режиссеров и наиболее выдающиеся работы в японском кинопроизводстве.

Синтетический характер японского искусства с самого начала был частью его кинематографа. Идея хайку как поэтического искусства, повествующего с помощью образов, вдохновила на сопоставление кадров немого кино таких мастеров, как Кендзи Мидзогути и Ясудзиро Одзу, и японское кино, таким образом, нашло отличительную черту, которая послужит основой его идентичности.

Короче говоря, повествовательная структура хайку имеет фундаментальное значение для понимания основ японского кинопроизводства.Как только эта база была определена, кинематографическая школа этой страны четко разделилась на две части: на реализм и фэнтези. Первый был впервые представлен в фильме «Отомэ-гокоро-Саннин-симай» (1935) Микио Нарусэ, в то время как Мидзогути довел фантазию до крайности в 1953 году с прекрасной Угетсу Моногатари. Этот фильм, действие которого происходит в средневековой Японии, во времена сёгуна, является частью поджанра, посвященного периоду в истории страны, который имеет основополагающее значение для понимания идиосинкразии Японии.

Самурайский кинотеатр

Самурайское кино — обязательный жанр, эквивалентный голливудскому вестерну: дуэли, в которых вместо пистолетов Кольта используются катан , с честью в качестве темы сюжета, а месть подпитывает структуру диалога и особые дресс-коды. , среди других элементов.

Самурайское кино возглавлял Акира Куросава, и его лучшими фильмами в этом жанре могли быть Ёдзимбо (1961) и Сандзюро (1962). Возможно, самым сложным фильмом о самураях является Хара-Кири (Масаки Кобаяси, 1962), структурное повествование которого под влиянием Расомон (Акира Куросава, 1950) использует повествование внутри повествования, как серию воспоминаний, пережитых самим фильмом. .

Акира Куросава

Это целостность, которая придает силе формального западного стиля этого режиссера, главной заботой которого является история. Куросава был предшественником множества кинематографических стилей, и его работа также повлияла на такие блокбастеры, как Звездные войны (Джордж Лукас, 1977), повествовательные заставки которых, среди прочего, принадлежат этому мастеру. Некоторые из его величайших произведений — трагедии, адаптированные из Шекспира, такие как Престол крови (1957) и Ран (1985), хотя его более интимные фильмы, трансцендентальные гуманистические работы, такие как Икиру (1952) и его шедевр Дерсу Узала (1975) показывают подавляющие экзистенциалистские сюжеты.

Шохей Имамура

Выдающийся представитель японской новой волны, этот режиссер является контрапунктом Куросавы и ставит под сомнение гуманизм как таковой. Имамура изображает, как экономическая система изменила дух Японии в таких фильмах, как The Pornographers (1966), The Ballad of Narayama (1983), Black Rain (1989) и The Ballad of Narayama (1983) и Угорь (1997 г.), оба получили Золотую пальмовую ветвь в Каннах.

Ясудзиро Одзу

Режиссер, которого обожали и подражали многие, включая Вима Вендерса и Джима Джармуша, которые регулярно использовали 50 мм на уровне татами, создавая необычный способ фронтального приближения к оси действия. Одзу просто рассказывал милые истории о послевоенном японском среднем классе. Он создал несколько шедевров, в том числе Tokyo Story (1953), в котором просто описывается, как пожилая пара едет в Токио, чтобы навестить своих детей и обнаруживает, что у них нет времени их увидеть.Таков был кинематограф Озу, моральный урок, но он был настолько близок его персонажам и с таким уважением, что они не были ни сентиментальными, ни милыми, а совершенно противоположными.

Кино против войны

При обзоре японского кино нельзя не упомянуть антивоенные фильмы Кон Итикавы, мощные и социально ответственные истории, которые создали целую школу, такие как The Burmese Harp (1956). Стоит отметить, что без этих фильмов не было бы такой современной классики, как Тонкая красная линия (Терренс Малик, 1998) или Letters from Iwo Jima (Клинт Иствуд, 2006).В этом антивоенном жанре мы могли бы также упомянуть антиядерное кино существ во главе с Иширо Хонда и его определяющим творением, монстром Годзилла 1954 года.

Якудза

Другой любопытный жанр японского кино конца 1950-х — якудза. Имея явное отношение к голливудским гангстерским фильмам, этот жанр задокументировал использование и обычаи японской мафии, культурного явления, которое имеет свои предшественники в самурайской традиции с ее кодами юмора.Со временем кинематограф Якудза станет крайне жестоким в руках таких режиссеров, как Такаши Миике, с такими фильмами, как Gozu (2003).

Сейджун Сусуки

Образцовый режиссер из жанра якудза, оказавший большое влияние на известных режиссеров, включая Тарантино. Сусуки снимал абсурдные фильмы, как и сама жизнь, в безумном ритме би-бопа, во многом благодаря джазу и использованию элементов кино Якудза, чтобы говорить о человеческом существовании.

От сюрреализма к ужасу

Хироси Тешигахара (1927–2001) был величайшим сторонником сюрреалистического кино в Японии.Такие фильмы, как Женщина в дюнах (1964) и Лицо другого (1966) метафорически исследуют темную сторону человечества и превозносят искусство кинопроизводства. Другие выдающиеся фильмы в этом жанре — прекрасный Квайдан (Масаки Кобаяси, 1964), представленный на большом экране с исключительным артистизмом, и Куронэко (Кането Синдо, 1968), произведение большой экспрессионистской ценности, установленное в средневековой Японии.

Позже Нобухико Обаяси представит House (1977) новый способ создания фильмов, сочетающий поп-арт и хоррор.С другой стороны, Хидео Наката с фильмом The Ring (1998) значительно повлиял на современные фильмы ужасов, а вместе с фильмом Ju On (2000) Такаши Симидзу поместил Японию на карту коммерческого кино — оба даже побывали в Голливуде, чтобы прямые американские версии своих фильмов.

Киёси Куросава можно считать высшим наследником этого сюрреалистического жанра ужасов с метафизическими сюжетами, которые могут быть мечтами, такими как Cure (1997) и Charisma (1999).

Розовый кинотеатр

Благодаря розовому кино японские фильмы добились международного успеха. Почти порнографические, эти фильмы о сексуальной эксплуатации были сняты независимыми студиями, которые внезапно стали миллионерами. В результате возникла новая волна японского кино: режиссеры дебютировали в этом жанре, а затем перешли в другие. Это своего рода кинопроизводство, которое развило авторский дискурс, используя отчуждение в качестве центральной темы и рассматривая альтернативные или политически корректные образы жизни.Нагиса Осима снял более 20 фильмов этого типа в период с 1959 по 1999 год, ставя под сомнение существующее положение вещей.

Ультра насильственные

Вскоре в японском кино появились ультра-жестокие стили с необычными поджанрами, такими как Guinea Pig , которые слишком явны для любого уровня чувствительности. Часто лишенные сюжетов, их рассказы являются просто повествовательным предлогом для того, чтобы засеять поля крови. Несмотря на то, что этот кинотеатр возник из-за заметной пониженной чувствительности новой аудитории, из коммерческого кинотеатра, который требовал большего насилия, чтобы продать больше попкорна, из него также вышли выдающиеся режиссеры, такие как Такаши Миике ( Audition ) и Сион Соно. ( Круг самоубийц ).

Анимация

Японская анимация заслуживает отдельной главы. Без сомнения, высшим представителем этого жанра является Хаяо Миядзаки, чья работа выделяется тем, что подчеркивает человеческие ценности на основе исключительной техники, которая соединяется с публикой на эстетическом уровне, создавая зеркало, подвешенное во времени. Основные фильмы: Princess Mononoke (1997) и Sen to Chihiro no Kamikakushi / Spiriting Away (2001), в то время как два других режиссера, на которые стоит обратить внимание, — это Кастсухиро Отомо ( Акира, ) и Сатоши Кон ( Паприка, ). .

Текущая панорама

В настоящее время Наоми Кавасэ ( The Mourning Forest, ) — режиссер, которого стоит посмотреть. Она начала с документального фильма и использует этот подход к реальности, чтобы рисовать эмоциональные хайку. Обаятельный Хирокадзу Коре Эда ( Как отец, как сын ), без сомнения, сейчас ведущий режиссер Японии.